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miércoles, 29 de diciembre de 2010

Tríptico de la penitencia de san Jerónimo - The Penitence of Saint Jerome – Joachim Patinir

Metropolitan Museum de Nueva York
Joachim Patinir
Patinir organizó el paisaje en tres planos en los que se suceden los tonos ocres primero, sombras de verde y de gris en el segundo término y azules traslúcidos en el fondo. La tabla central presenta a san Jerónimo en actitud penitente, sobre un panorama que combina la arquitectura geológica con la flora y edificios de diverso porte. Para subrayar el exotismo del escenario, el pintor incluye una pareja de camellos. Las tablas laterales del tríptico constituyen la prolongación natural del paisaje. En la de la derecha, aparece san Antonio tentado por el demonio y, en la restante, la escena del bautismo de Cristo. En el reverso de ambas, Patinir representó en grisalla a santa Ana con la Virgen y el Niño, y a san Sebaldo. El conjunto se considera una de las obras más importantes del pintor, tanto por su excelente estado de conservación, como por el hecho de que las figuras son totalmente de su mano, y no de la de un colaborador, como es habitual en la mayor parte de casos.

Ciervo acosado por una jauría de perros - Deer hunted by a pack of dogs - Paul de Vos

Ciervo acosado por una jauría de perros - Deer hunted by a pack of dogs - Paul de Vos, Museo del Prado. Este gran lienzo introduce uno de los temas pictóricos que difundieron por Europa los maestros de la escuela flamenca. Su concepción, dinámica y monumental, es acreedora de los modelos creados para este género por el también flamenco Frans Snyders. Cristo, modern art, contemporary art, Cuadros, Madrid, Art gallery, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas universales, Museos importantes, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, Italia, París, Londres, Renacimiento, Barroco, Impresionismo, New York, Florencia, Moscú, Museo del Arte
Museo del Prado
1637–1640
212 cm x 347 cm. Óleo sobre lienzo

Paul de Vos
Este gran lienzo introduce uno de los temas pictóricos que difundieron por Europa los maestros de la escuela flamenca. Su concepción, dinámica y monumental, es acreedora de los modelos creados para este género por el también flamenco Frans Snyders.

Venus y Adonis - Venus and Adonis – Pedro Pablo Rubens


Pedro Pablo Rubens
Obra que constituye un ejemplo clarísimo del proceder y fuentes de inspiración del artista flamenco. Al comparar este cuadro con el de Tiziano del mismo tema se observarán de inmediato curiosas analogías. En primer lugar, en el ritmo de las figuras y, en segundo término, en el gesto de Adonis empuñando la lanza. Ello demuestra incuestionablemente que Rubens se inspiró en la obra de su ilustre predecesor, probablemente a través de un grabado, circunstancia que justifica las posiciones invertidas de derecha a izquierda que ambos personajes ocupan en el lienzo. Para no incurrir en el plagio, el autor sitúa a Cupido junto a Adonis, en actitud de impedir su marcha por el procedimiento de abrazarse a una de sus piernas, y dispone a los dos lebreles en un plano más retrasado. El hecho constatado por la comparación se halla refrendado por otros muchos casos en la producción de Rubens, quien ya en su primera visita a la corte española, en 1603, realizó numerosas copias de los Tizianos existentes en las colecciones reales. Para la figura de Venus, el pintor se sirvió de su esposa Helena Fourment como modelo.

martes, 28 de diciembre de 2010

Venus y Adonis - Venus and Adonis - Vecellio di Gregorio Tiziano

Venus y Adonis - Venus and Adonis - Vecellio di Gregorio Tiziano - Titian - Metropolitan Museum de Nueva York - Museo del Prado.
Museo del Prado
1554
186 x 207 cm. Óleo sobre lienzo
Venus y Adonis - Venus and Adonis - Vecellio di Gregorio Tiziano - Titian - Metropolitan Museum de Nueva York - Museo del Prado. Narra este lienzo el momento en que Venus trata de impedir a su amante, el mortal Adonis, que se una a una partida de caza, sabiendo que va a morir despedazado por un oso. El tema, inspirado por las Metamorfosis de Ovidio, gozó de gran predicamento, como lo prueba el hecho de que Tiziano lo repitiese en otras ocasiones, ateniéndose a dos modelos compositivos diferentes. En el primero, de formato generalmente cuadrado, Cupido aparece dormido en el suelo, a la izquierda, mientras que Adonis refrena la impaciencia de sus perros por partir. A este tipo corresponde el cuadro del Museo del Prado, encargado por Felipe II. La obra del Metropolitan de Nueva York, de formato más alargado, establece el segundo tipo, en el que Cupido se halla despierto y Adonis está acompañado tan sólo por dos perros. El estilo de ambas se identifica con el del periodo de madurez del artista, lo que induce a fijar su fecha de ejecución a fines de la década de 1560. Es evidente, por último, que la composición del Metropolitan Museum fue realizada con el concurso de ayudantes, circunstancia a la que se debe la menor calidad que evidencian ciertas zonas del paisaje de fondo.
Metropolitan Museum de Nueva York
1546
106,7 x 133,4 cm. Óleo sobre lienzo

Vecellio di Gregorio Tiziano
Narra este lienzo el momento en que Venus trata de impedir a su amante, el mortal Adonis, que se una a una partida de caza, sabiendo que va a morir despedazado por un oso. El tema, inspirado por las Metamorfosis de Ovidio, gozó de gran predicamento, como lo prueba el hecho de que Tiziano lo repitiese en otras ocasiones, ateniéndose a dos modelos compositivos diferentes. En el primero, de formato generalmente cuadrado, Cupido aparece dormido en el suelo, a la izquierda, mientras que Adonis refrena la impaciencia de sus perros por partir. A este tipo corresponde el cuadro del Museo del Prado, encargado por Felipe II. La obra del Metropolitan de Nueva York, de formato más alargado, establece el segundo tipo, en el que Cupido se halla despierto y Adonis está acompañado tan sólo por dos perros. El estilo de ambas se identifica con el del periodo de madurez del artista, lo que induce a fijar su fecha de ejecución a fines de la década de 1560. Es evidente, por último, que la composición del Metropolitan Museum fue realizada con el concurso de ayudantes, circunstancia a la que se debe la menor calidad que evidencian ciertas zonas del paisaje de fondo.


Obras de:
Vecellio di Gregorio Tiziano
Adán y Eva Amor profano y amor divinoAutorretrato
Concierto campestre Coronación de espinasDánae recibiendo la lluvia de oro
El Dux Niccolo Marcello El emperador Carlos V, a caballo en MühlbergEl hombre de la palma
El hombre del guante El hombre vestido de azulEl tributo del cesar
Flora Jesús y el CireneoLa Bacanal de los Andrios
La Venus de Urbino La Venus del PardoLa Virgen con el Niño entre San Antonio de Padua y San Roque
La Virgen de san Nicoló dei Frari La Virgen y el NiñoNoli me Tangere
Ofrenda a Venus, diosa de los amores PiedadRetrato de Cristoforo Madruzzo
Retrato de Felipe II Retrato de Francisco IRetrato de la emperatriz Isabel de Portugal
Retrato de un caballero veneciano Retrato de una dama con abanicoRetrato de una hija de Roberto Strozzi
Retrato del Dux Andrea Gritti Retrato del Dux Marcantonio TrevisaniRetrato del emperador Carlos V
Retrato del papa Paulo III San Juan BautistaVenus ante un espejo
Venus recreándose con el Amor y la Música / Venus recreándose en la Música Venus vendando los ojos del AmorVenus y Adonis


lunes, 27 de diciembre de 2010

San Zenobio resucitando a un niño - Saint Zenobius Resuscitating a Dead Child - Benozzo Gozzoli


Benozzo Gozzoli
La disposición de las figuras en torno a la doble representación del niño, muerto y ya resucitado, ofrece numerosas analogías con otras dos pinturas del mismo tema procedentes de un retablo que fue encargado al artista en 1461. La elección de un tema de la vida de san Zenobio se explica en virtud de que el santo, obispo de Florencia, predicó en la iglesia de San Pier Maggiore a la que iban destinadas estas pinturas. Según la tradición, el milagro de la resurrección del hijo de una noble dama francesa tuvo lugar en la entrada de dicho templo.

San Francisco y San Francisco predicando a los pájaros – San Francisco and San Francisco preaching to the birds - Giotto di Bondone

San Francisco
San Francisco predicando a los pájaros

Giotto di Bondone
Una de las obras más interesante del arte medieval es el San Francisco firmado por Giotto. Esta pala de grandes dimensiones ofrece en su composición principal la escena de la estigmatización del santo y, en la predela, representaciones de varios milagros que, por su carácter miniaturista, son de un extraordinario detallismo. El conjunto responde a los conceptos naturalistas, de retorno a las fuentes del arte clásico, que hacen del maestro el precursor de la pintura renacentista.
La predicación de san Francisco a los pájaros es una de las composiciones de mayor calidad. El santo aparece a la izquierda, seguido por uno de sus discípulos, y se halla en actitud de dirigirse a una audiencia heterogénea, en la cual figuran tanto gorriones, jilgueros y avutardas, como aves de corral. Al conjuro de su palabra, otros dos pájaros descienden de un árbol próximo para unirse al ordenado grupo. El artista ha adoptado una norma de equilibrio compositivo, preocupándose de equilibrar las masas, figuras de los franciscanos contrapesadas por el árbol, que se recortan nítidamente ante el fondo dorado, sobre una breve franja de terreno poblado de hierba. El examen en detalle permite, además, la constatación del procedimiento empleado por el pintor. Las líneas del dibujo fueron trazadas sobre el soporte de yeso por medio de un instrumento punzante; ello es palmario, por ejemplo, en el tronco del árbol, en la línea superior del brazo extendido del santo y en el contorno exterior de la capucha de su acompañante. Tras esta operación, se procedió al dorado del fondo, dejando en reserva las figuras que ya habían sido delimitadas. Ello no fue obstáculo para que, en el momento de ejecución pictórica, se añadieran figuras secundarias, trazándolas sin escrúpulo sobre el dorado. En tales casos, la pintura ha experimentado un inevitable desgaste, como puede apreciarse en las figuras del gorrión que desciende del árbol, en los dos pájaros iguales situados sobre la línea de horizonte en posición próxima al santo o en el gallo.

domingo, 26 de diciembre de 2010

Retrato de una princesa de la casa de Este -Portrait of a Young Princesa – Pisanello


Pisanello
Pintor influenciado por el gusto de lo ornamental y una peculiar manera de interpretar la forma, simplificándola al límite de lo dibujístico. El retrato cobra así un carácter casi emblemático y produce el efecto de haber sido tomado de un bajorrelieve o de una medalla. Para compensar este efecto, le proporciona el pintor un marco colorista compuesto por representaciones florales sobre las que revolotean mariposas. Tanto los elementos vegetales como los insectos han sido tomados del natural y transcritos con fervor científico, de modo que sus especies son perfectamente reconocibles, anticipando el género de láminas de ciencias naturales que ocuparían desde el siglo XVIII a artistas dotados de un propósito documental. Este retrato pudo ser pintado hacia 1450.

Retrato de la emperatriz Josefina - The Empress Josephine - Pierre-Paul Prud’hon


Pierre-Paul Prud’hon
La figura, sentada sobre un apropiado escalonamiento rocoso, con su mano izquierda apoyada en la sien, se integra en un paisaje boscoso que participa de la atmósfera de un jardín, gracias a la presencia, en el lado izquierdo, de un gran jarrón de piedra. El escenario es, pues, claramente romántico, y su forma de ejecución revela el conocimiento, interpretación y, finalmente, amalgama de los estilos de Leonardo y Correggio.

sábado, 25 de diciembre de 2010

Predicación de san Esteban en Jerusalén - The Sermon of St. Stephen at Jerusalem- Carpaccio


Carpaccio
El pintor ha situado al santo sobre un ara de línea y decoración clásica, dominando en altura a un reducido grupo de personas congregadas por su discurso. Abundan los tipos con indumentaria oriental, tocados con gruesos turbantes o sombreros cónicos; en el extremo derecho aparecen dos peregrinos con sus varas. A modo de telón de fondo, en hemiciclo escenográfico, se despliega la arquitectura urbana, desparramados sus edificios por la ladera de la colina. Tras ellos se divisa un paisaje ondulado. En el conjunto, animado por figuras secundarias que establecen los términos de distancia, se da una extraña mezcolanza de estilos y épocas: un arco triunfal romano, alminares de mezquitas otomanas y, a la izquierda, un edificio de planta octogonal, cubierto por cúpula, de puro gusto italiano.
Su interés por la plasmación del espacio urbano, que comporta el estudio científico de problemas geométricos y perspectivos, preludia la trayectoria de futuros maestros de la misma escuela, entre ellos Canaletto y Guardi.

Napoleón en la batalla de Eylau - Napoleón on the Battlefield of Eylau – Antoine-Jean Gros


Antoine-Jean Gros
Obra destinada a perpetuar un hecho de armas que tuvo lugar en la localidad de Eylau, Polonia, el 8 de febrero de 1807. Con este fin convocó el emperador un concurso al que acudieron veintiséis pintores. Sus bases, redactadas por el director del entonces llamado Museo Napoleón, Vivant-Denon, especificaban que la obra debía describir el momento en que el vencedor recorría el campo de batalla cubierto de cadáveres y pronunciaba la famosa frase: “Si todos los reyes de la tierra pudieran contemplar esta escena, moderarían su ambición de guerras y conquistas.” Gros no se hallaba inclinado a participar en el concurso, pero lo hizo ante la insistencia de Vivant-Denon, llevándose en premio la suma de dieciséis mil francos. Su máximo acierto fue el de representar al emperador en un gesto de clásica magnanimidad para con el vencido, en este caso un lituano herido que se arrodilla ante su caballo prestando juramento de fidelidad. Como muestra de la humanidad del vencedor, introdujo también Gros la figura del barón Percy, cirujano jefe de la Grande Armée, a la izquierda, tras el emperador, sosteniendo a un oficial enemigo que alza su brazo derecho pidiendo clemencia.

miércoles, 22 de diciembre de 2010

Madonna con ángeles - The Madonna and Child in Majesty Surrounded by Angels – Cimabue


Cimabue
Esta gigantesca composición, ejecutada al temple sobre tabla, son visibles las junturas verticales de las piezas que constituyen el soporte, ha sufrido daños originados por los cambios bruscos de temperatura y humedad ambientes; a pesar de ello, es una de las obras más destacadas que se conocen del arte toscano de finales del siglo XIII. Según la fórmula bizantina, presenta a la Virgen sobre un trono dotado de escabel, con el Niño sentado en su rodilla izquierda, en actitud bendicente, y flanqueada por tres parejas de ángeles. Los personajes, cuyos rostros y manos aparecen modelados según el método habitual de la época, combinan indumentos de tonalidades roja, azul y blanca. Como compensación de la parquedad cromática el pintor utiliza con profusión el dorado, sea en los nimbos o en los fondos, enriquecidos, a su vez, con una labor punzonada de esquema reticular.
Existe, además, una evidente preocupación por dotar a las figuras de un aura de monumentalidad; en la misma dirección se proyectaría la obra de Giotto, a quien se ha creído discípulo de Cimabue.

Madonna con ángeles, san Antonio de Padua y san Juan Evangelista - The Madonna and Child Surrounded by Six Angels , St. Anthony of Padua, St. John the Evangelist – Sassetta


Sassetta
Esta pieza de altar ofrece un tradicional tratamiento de la figura, cuyo modelado responde a una técnica de gran delicadeza en la que la preparación grisácea de las carnaciones queda velada por la superposición de tonos claros. Pretende el pintor transcribir un sentimiento místico que se traduce en una peculiar estilización de la figura. La ambición de monumentalidad de ciertos artistas anteriores ha sido sustituida por un concepto poético. Los personajes no se hallan inspirados en la realidad, sino que pertenecen a un mundo imaginario cuyas formas denotan un gusto decorativo propio del estilo gótico internacional.

Las hijas de Calmady -The Calmady Children Emily, and Laura Anne – Thomas Lawrence


Thomas Lawrence
El secreto de la fama de Thomas Lawrence residía en su precoz virtuosismo y en haber sabido crear un tipo de retrato que plasmaba el sentimiento romántico. Un buen ejemplo lo constituye este cuadro, pintado en 1825, cuya composición se haría tremendamente popular e inspiraría virtualmente a todos los artistas de la época en el Reino Unido en su realización de retratos infantiles. La ligereza del toque, la espontaneidad en la ejecución y la alegría luminosa del cuadro atestiguan el vigor de Lawrence en sus últimos años de actividad.

martes, 21 de diciembre de 2010

La rota de San Romano - The Rota of Sant Romano – Paolo Uccello

La rota de San Romano - The Rota of Sant Romano – Paolo Uccello - Museo del Louvre. En esta enorme pintura sobre tabla acumula el artista figuras en escorzos inusitados; algunos de los caballos han sido dispuestos con la intención de ensayar su relieve pictórico, vistos por sus cuartos traseros o dirigiéndose oblicuamente hacia el espectador, El ritmo compositivo viene dado por las líneas de las lanzas de los jinetes y el bosque de patas equinas y piernas de soldados de la parte inferior del cuadro. Cada objeto constituye un motivo individual de experiencia perspectiva, lo que comporta una cierta desunión entre los diversos elementos de la obra, que no se ajustan a unos planos maestros previamente establecidos.
Museo del Louvre
1456
180 × 316 cm. Temple sobre madera

Paolo Uccello
En esta enorme pintura sobre tabla acumula el artista figuras en escorzos inusitados; algunos de los caballos han sido dispuestos con la intención de ensayar su relieve pictórico, vistos por sus cuartos traseros o dirigiéndose oblicuamente hacia el espectador. El ritmo compositivo viene dado por las líneas de las lanzas de los jinetes y el bosque de patas equinas y piernas de soldados de la parte inferior del cuadro. Cada objeto constituye un motivo individual de experiencia perspectiva, lo que comporta una cierta desunión entre los diversos elementos de la obra, que no se ajustan a unos planos maestros previamente establecidos.


Obras de:
Paolo Uccello
La batalla de San Romano (Galería de los Uffizi) La batalla de San Romano (National Gallery)La rota de San Romano (Louvre)
San Jorge y el dragón


Embarque del dux en el Bucentauro - The Doge in the Bucentaur at San Nicolò di Lido on Ascension Day – Francesco Guardi


Francesco Guardi
Este lienzo, de extraordinaria riqueza de detalles como todos los del maestro, forma parte de una serie de doce, destinada a conmemorar las festividades que tuvieron lugar con motivo de la coronación del dux Alviso IV Mocenigo, en 1763. Tales composiciones fueron copiadas por Guardi de las obras realizadas en aquella fecha por Canaletto bajo el título genérico de Solenità dogali; los modelos de dicho pintor originaron asimismo una serie de grabados de Giambattista Brustolon.

Concierto campestre - The Pastoral Concert - Vecellio di Gregorio Tiziano

Concierto campestre - The Pastoral Concert - Vecellio di Gregorio Tiziano - Titian - Museo del Louvre. El análisis de determinados elementos estilísticos abona la suposición de que Giorgione interviniera asimismo en la conclusión de este cuadro de Tiziano. La radiografía de la obra muestra, en efecto, que el desnudo femenino de la izquierda fue cambiado de posición en la última fase pictórica. El hecho situaría el cuadro en los últimos años de la vida de Giorgione, es decir, entre 1508 y 1510. Puesto que aparece citado en 1627 entre los bienes que Carlos I adquirió a la familia Gonzaga, es plausible la hipótesis de que el cuadro fuese obtenido por Isabel de Este, en 1510, de Taddeo Albano, a quien escribió al conocer la historia de la muerte Giorgione indicándole su deseo de comprar obras de su mano. Sin entrar en la compleja cuestión del porcentaje que pueda corresponder, respectivamente, a Giorgione y a Tiziano, es evidente en esta composición un tránsito estilístico entre la tradición veneciana de los Bellini y un nuevo concepto de integración dramática de las figuras con el paisaje que la envuelve.
Museo del Louvre
1509
105 × 137 cm. Óleo sobre lienzo

Vecellio di Gregorio Tiziano
El análisis de determinados elementos estilísticos abona la suposición de que Giorgione interviniera asimismo en la conclusión de este cuadro de Tiziano. La radiografía de la obra muestra, en efecto, que el desnudo femenino de la izquierda fue cambiado de posición en la última fase pictórica. El hecho situaría el cuadro en los últimos años de la vida de Giorgione, es decir, entre 1508 y 1510. Puesto que aparece citado en 1627 entre los bienes que Carlos I adquirió a la familia Gonzaga, es plausible la hipótesis de que el cuadro fuese obtenido por Isabel de Este, en 1510, de Taddeo Albano, a quien escribió al conocer la historia de la muerte Giorgione indicándole su deseo de comprar obras de su mano. Sin entrar en la compleja cuestión del porcentaje que pueda corresponder, respectivamente, a Giorgione y a Tiziano, es evidente en esta composición un tránsito estilístico entre la tradición veneciana de los Bellini y un nuevo concepto de integración dramática de las figuras con el paisaje que la envuelve.


Obras de:
Vecellio di Gregorio Tiziano
Adán y Eva Amor profano y amor divinoAutorretrato
Concierto campestre Coronación de espinasDánae recibiendo la lluvia de oro
El Dux Niccolo Marcello El emperador Carlos V, a caballo en MühlbergEl hombre de la palma
El hombre del guante El hombre vestido de azulEl tributo del cesar
Flora Jesús y el CireneoLa Bacanal de los Andrios
La Venus de Urbino La Venus del PardoLa Virgen con el Niño entre San Antonio de Padua y San Roque
La Virgen de san Nicoló dei Frari La Virgen y el NiñoNoli me Tangere
Ofrenda a Venus, diosa de los amores PiedadRetrato de Cristoforo Madruzzo
Retrato de Felipe II Retrato de Francisco IRetrato de la emperatriz Isabel de Portugal
Retrato de un caballero veneciano Retrato de una dama con abanicoRetrato de una hija de Roberto Strozzi
Retrato del Dux Andrea Gritti Retrato del Dux Marcantonio TrevisaniRetrato del emperador Carlos V
Retrato del papa Paulo III San Juan BautistaVenus ante un espejo
Venus recreándose con el Amor y la Música / Venus recreándose en la Música Venus vendando los ojos del AmorVenus y Adonis


lunes, 20 de diciembre de 2010

Canción de amor - The Love Song – Edward Burne-Jones


Edward Burne-Jones
Este cuadro muestra la influencia ideológica de Ruskin y Rossetti, a quienes se debe la creación del movimiento prerrafaelita, un intento romántico de volver a poner en la escena del arte los personajes del cuatrocientos. Burne-Jones compone un mosaico con piezas procedentes de la pintura italiana, de Botticelli, de Uccello, de Giorgione… Un espíritu ecléctico y la nostalgia de un tiempo que jamás existió se dan cita en el cuadro, que es recuerdo y homenaje a muchos de los maestros que han existido.

Camino del Calvario -The Carrying of the Cross – Simone Martini


Simone Martini
El episodio de la Pasión sirve de base a un estudio de la composición en el que juegan un papel fundamental los ritmos lineales. Trata el artista, en suma, de obtener un máximo grado de expresividad narrativa estableciendo relaciones entre los varios personajes que se agrupan en el exiguo espacio de la tabla.

sábado, 18 de diciembre de 2010

San Juan ante los misterios del Apocalipsis - The Vision of Saint John - El Greco


El Greco
Sobrecogedora es la visión pictórica que el Greco transcribe en esta composición, a menudo titulado también El quinto sello del Apocalipsis. El cuadro es la última gran obra del artista y se halla inacabado. Emociona pensar que la muerte interrumpiera esta pintura que expresa la personal visión de un hombre respecto al destino ultraterreno que le está reservado. En ella aparece san Juan, a la izquierda, anonadado por la visión que se le ofrece: el premio a los bienaventurados, cuyo símbolo son los mantos que los ángeles hacen descender sobre las almas desnudas. Los diversos personajes que en actitudes variadas de contrapposto se presentan ante el santo son, en realidad, representación de entes inmateriales, son espíritus deformados por el maestro de acuerdo con unos conocimientos de la anatomía humana que se antojan remotos, casi olvidados. El Greco se sentiría tal vez en otro mundo, el mundo de los justos, al concebir y comenzar esta obra. Las masas de color, las luces y las sombras se funden de manera tan fluida que el medio que acoge a todos estos personajes constituye una visión en sí mismo. La monumental efigie de san Juan, paralizada en un gesto patético, centra la atención del espectador, que debe declararse incapaz de distinguir en el lienzo la sucesión de planos en el espacio a la que le han habituado las normas pictóricas.

San Jorge - Saint George – Carlo Crivelli


Carlo Crivelli
Se trata de una obra bastante temprana en el conjunto de la producción de Crivelli, la cual, sin embargo, manifiesta ya un completo dominio de la técnica pictórica y una sensibilidad para la estilización de las formas que no había de variar a lo largo de la carrera del maestro. San Jorge ha sido representado como un joven de gran belleza, en actitud de contraposto. Su mano derecha descansa sobre la cadera, mientras que la izquierda empuña la lanza, rota en el transcurso del combate con el dragón. Dicho monstruo agoniza tras el santo, atravesada su cabeza por el poderoso hierro. Especial atención concede Crivelli a la armadura, cuya suntuosa ornamentación se halla descrita con toda minucia, a base de una técnica de grisalla que rinde los valores volumétricos de las cabezas de león y los restantes motivos que embellecen la coraza.

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Sacrificio de Isaac - The Sacrifice of Isaac - Domenico Tiepolo

Sacrificio de Isaac - The Sacrifice of Isaac - Domenico Tiepolo - Metropolitan Museum de Nueva York. Domenico Tiepolo se benefició de la celebridad de su padre, a quien acompañaría a la corte de Madrid, donde el pintor desarrolló la última etapa de su carrera. Como demuestra esta obra, Domenico carece de personalidad individual y su obra se halla sometida a la abrumadora personalidad de su maestro. Las figuras han sido esbozadas con virtuosismo, pero carecen de la genialidad que caracteriza al primer artista de la dinastía Tiepolo. Al pasar a los grandes formatos, la pintura de Domenico Tiepolo muestra todos sus defectos, en particular, la falta de cohesión y solidez.
Metropolitan Museum de Nueva York
1750
39,1 x 53,3 cm. Óleo sobre lienzo

Domenico Tiepolo
Domenico Tiepolo se benefició de la celebridad de su padre, a quien acompañaría a la corte de Madrid, donde el pintor desarrolló la última etapa de su carrera. Como demuestra esta obra, Domenico carece de personalidad individual y su obra se halla sometida a la abrumadora personalidad de su maestro. Las figuras han sido esbozadas con virtuosismo, pero carecen de la genialidad que caracteriza al primer artista de la dinastía Tiepolo. Al pasar a los grandes formatos, la pintura de Domenico Tiepolo muestra todos sus defectos, en particular, la falta de cohesión y solidez.

Retrato de un joven - Portrait of a Young Man – Angelo Bronzino


Angelo Bronzino
El modelo, un hombre joven con la mano izquierda en la cintura y la derecha en torno a un libro cuyo lomo apoya en una ménsula esculpida, se trata de uno de los grandes retratos de Bronzino, notable por su frialdad y nivel de captación psicológica. El modelado escultórico del rostro y las manos tiene el contrapunto de las cabezas de monstruos que decoran la silla y la ménsula, éstas valoradas con gran dureza. La figura se inserta en un fondo arquitectónico que la luz difusa deja en una clara penumbra. Como es habitual, el artista ha descrito con genialidad las calidades del traje acuchillado que viste el personaje.

martes, 14 de diciembre de 2010

Retrato de Claes Duys van Voorhout - Portrait of Claes Duys van Voorhout – Frans Hals


Frans Hals
El modelo adopta la habitual actitud, entre jactanciosa y complacida, de apoyar el puño de su mano izquierda en la cintura; puesto que el pintor ha adoptado un punto de vista bajo, la figura cobra un cierto aire de monumentalidad. Hay que observar la habilidad de Hals para favorecer la efigie del personaje, y ello sin embellecer aduladoramente sus rasgos, sino evitando acentuar su perfil adiposo y eliminando toda posible referencia a la estatura del caballero que, a juzgar por las dimensiones del torso, sería bajito. La técnica rápida, alla prima, concede al retrato una espontaneidad y frescura que acreditan el virtuosismo de su autor.

Plaza de san Marcos - Piazza San Marco – Francesco Guardi


Francesco Guardi
Constituye un típico ejemplo de la capacidad de este artista para transcribir la atmósfera del paisaje urbano y su trajín de gentes. Por oposición a Canaletto, Guardi no se manifiesta como un gran dibujante de arquitectura, sino más bien como un rápido retratista de las apariencias de la realidad, por medio de una técnica que apunta el impresionismo. El lienzo se halla firmado en el ángulo inferior derecho, sobre un cuadro que lleva bajo el brazo uno de los personajes, quien representará al propio artista o a uno de sus clientes.

lunes, 13 de diciembre de 2010

Pavos reales – Peacocks – Melchior Hondecoeter


Melchior Hondecoeter
Ejemplo típico de un género, que se caracteriza por su arbitrariedad en la asociación de las especies animales, en particular aves. Se trata en este caso de pavos reales, una garza, un pavo doméstico, una golondrina, un mono y una ardilla, estos últimos junto a un bodegón con uvas, melocotones y una calabaza. El escenario es ambiguo; se distinguen los volúmenes arquitectónicos de un edificio monumental y la frondosa vegetación arbórea de un parque. Un gran girasol completa la diagonal compositiva establecida por la cola del pavo real.

Muchacha dormida - A Maid Asleep – Jan Vermeer de Delft

Muchacha dormida - A Maid Asleep – Jan Vermeer de Delft -  Metropolitan Museum de Nueva York - Metropolitan Museum of Art, Nueva York. El primer término se halla cerrado con una silla y el mantel de alfombra, que ha sido levantado en el extremo de la mesa. Al fondo se abren diversos ámbitos, un vestíbulo y lo que parece ser una sala vacía. La atmósfera posee una pesadez almibarada que parece justificar la somnolencia de la muchacha. Vermeer va más allá de los problemas compositivos y luminosos, de la anécdota que expresa el lienzo, tratando tal vez de simbolizar en esta obra la actitud confiada y hedonista de la pequeña burguesía de la época. Puesto que el artista tenía una familia numerosa, once hijos, y consta que a su muerte su esposa se hallaba en penosa situación económica, no hay que descartar incluso una intención irónica.
Metropolitan Museum de Nueva York
1657
87,6 × 76,5 cm. Óleo sobre lienzo

Jan Vermeer de Delft
El primer término se halla cerrado con una silla y el mantel de alfombra, que ha sido levantado en el extremo de la mesa. Al fondo se abren diversos ámbitos, un vestíbulo y lo que parece ser una sala vacía. La atmósfera posee una pesadez almibarada que parece justificar la somnolencia de la muchacha. Vermeer va más allá de los problemas compositivos y luminosos, de la anécdota que expresa el lienzo, tratando tal vez de simbolizar en esta obra la actitud confiada y hedonista de la pequeña burguesía de la época. Puesto que el artista tenía una familia numerosa, once hijos, y consta que a su muerte su esposa se hallaba en penosa situación económica, no hay que descartar incluso una intención irónica.


Obras de:
Jan Vermeer de Delft
El pintor en su taller La alcahuetaLa encajera
La mujer del collar de perlas Muchacha dormida Mujer joven con una jarra
Mujer pesando perlas


domingo, 12 de diciembre de 2010

Muchacha con cerezas - Girl with Cherries – Ambrogio de Predis


Ambrogio de Predis
Totalmente leonardesco en su concepto y fórmula de realización es este cuadro. El artista, por un fenómeno de mimetismo, ha adoptado la morbidezza en el tratamiento de los volúmenes, el misterio atmosférico y hasta los rasgos de los modelos de Leonardo. La joven retratada, con sus ojos profundos y absortos, sus labios plegados en gesto inquietante, no es más que una derivación de La Gioconda. Cuadro, en todo caso, de delicada ejecución y refinado gusto, el cual revela el estrecho contacto que existía entre su autor y el gran maestro.

Marte y Venus unidos por el Amor - Mars and Venus united by Love – Paolo Veronés

Marte y Venus unidos por el Amor - Mars and Venus united by Love – Paolo Veronés, Metropolitan Museum de Nueva York. No es seguro que el actual título del cuadro describa los propósitos representativos del autor, puesto que los especialistas en iconografía suponen que pueda tratarse también de la “Adopción de Hércules por Juno” o “La Castidad transformada en Caridad por el Amor”. En el segundo caso, la figura femenina se hallaría en trance de oprimir su seno para extraer leche, y el caballo del lado derecho, al que un amorcillo impide marchar, sería una alegoría de Pasión Refrenada.
Metropolitan Museum de Nueva York
1570
206 × 161 cm. Óleo sobre lienzo

Paolo Veronés
No es seguro que el actual título del cuadro describa los propósitos representativos del autor, puesto que los especialistas en iconografía suponen que pueda tratarse también de la “Adopción de Hércules por Juno” o “La Castidad transformada en Caridad por el Amor”. En el segundo caso, la figura femenina se hallaría en trance de oprimir su seno para extraer leche, y el caballo del lado derecho, al que un amorcillo impide marchar, sería una alegoría de Pasión Refrenada. Se trata, prescindiendo de cuestiones de título, de una de las mejores obras del pintor veneciano, quien en el curso de su ejecución introdujo algunos cambios.

Obras de:
Paolo Veronés
Bautismo de CristoCreación de Eva Cristo en el Huerto de los Olivos
Desposorios místicos de santa Catalina La disputa con los doctores en el TemploLa familia de Darío ante Alejandro
Las bodas de CanáMadonna con santos Marte y Venus unidos por el Amor
Moisés salvado de las aguas San Antonio predicando a los peces Venus y Adonis


sábado, 11 de diciembre de 2010

Investidura del obispo Harold como duque de Franconia -The Investiture of Bishop Harold as Duke of Franconia - Giovanni Battista Tiepolo

Investidura del obispo Harold como duque de Franconia -The Investiture of Bishop Harold as Duke of Franconia - Giovanni Battista Tiepolo - Metropolitan Museum de Nueva York. El lienzo posee un carácter espontáneo y evidencia ejecución apresurada. La disposición de las figuras ante un arco monumental se halla inspirada de lejos en obras de Veronés, una de las fuentes habituales del artista, quien revivió el gusto grandilocuente de la escuela véneta del siglo XVI.
Metropolitan Museum de Nueva York
1752
71,8 x 51,4 cm. Óleo sobre lienzo

Giovanni Battista Tiepolo
El lienzo posee un carácter espontáneo y evidencia ejecución apresurada. La disposición de las figuras ante un arco monumental se halla inspirada de lejos en obras de Veronés, una de las fuentes habituales del artista, quien revivió el gusto grandilocuente de la escuela véneta del siglo XVI.


Obras de:
Giovanni Battista Tiépolo
Abraham y los tres ángeles Adoración de los Reyes Agar e ismael en el desierto
Armida abandonada por Rinaldo Investidura del obispo Harold como duque de Franconia Las virtudes teologales
Martirio de santa Águeda Virgen del Carmen


Curiosidad - Curiosity - Gerard Ter Borch

Curiosidad - Curiosity - Gerard Ter Borch - Metropolitan Museum de Nueva York. La escena muestra, en un interior suntuoso, a una dama que escribe una misiva en presencia de una joven; la sirvienta, por encima del hombro de la primera, trata de enterarse del contenido de la carta. La anécdota sirve para que el pintor describa con verismo la atmósfera de este salón presidido por una gran chimenea y amueblado con verdadero lujo. Su preocupación fundamental es la de rendir los efectos de luz y las calidades de la materia, en particular las de las telas de seda de los vestidos y del terciopelo que cubre la mesa y las sillas. Para no omitir detalle alguno evocador de la vida domestica, Ter Borch representa también a un distinguido miembro de la familia, un perro de lanas.
Metropolitan Museum de Nueva York
1660
76,2 x 62,2 cm. Óleo sobre lienzo

Gerard Ter Borch
La escena muestra, en un interior suntuoso, a una dama que escribe una misiva en presencia de una joven; la sirvienta, por encima del hombro de la primera, trata de enterarse del contenido de la carta. La anécdota sirve para que el pintor describa con verismo la atmósfera de este salón presidido por una gran chimenea y amueblado con verdadero lujo. Su preocupación fundamental es la de rendir los efectos de luz y las calidades de la materia, en particular las de las telas de seda de los vestidos y del terciopelo que cubre la mesa y las sillas. Para no omitir detalle alguno evocador de la vida domestica, Ter Borch representa también a un distinguido miembro de la familia, un perro de lanas.


Obras de:
Gerard Ter Borch
Curiosidad El concierto Muchacho despulgando a un perro


miércoles, 8 de diciembre de 2010

La oración del huerto - The Agony in the Garden – Rafael Sanzio


Rafael Sanzio
Según Vasari, Rafael pintó este cuadro de altar para el convento de san Antonio de Padua de Perugia. El encargo fue formulado antes de 1504, fecha en que el artista realizó un primer viaje a Florencia, pero posiblemente no fue concluido hasta su regreso al año siguiente. Se trata, por tanto, de una obra juvenil que documenta el momento crucial de la carrera del maestro en que su estilo, todavía enraizado en la enseñanza de Perugino, comienza a mostrar en ciertos detalles el conocimiento de la pintura florentina de tendencia más avanzada. La obra manifiesta la clara influencia de Leonardo, a quien sin duda se debe la atmósfera de misterio que invade la composición.

Flora – Rembrandt Harmenszoon van Rijn


Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Este lienzo data de 1657, de modo que fue pintado entre la primera y segunda subastas públicas de los bienes del artista insolvente. Rembrandt parece enunciar un voto por tiempos mejores, sin permitir que las circunstancias lo anonaden. Flora es el símbolo de la primavera, Rembrandt ha alcanzado ya el otoño de su vida, y en este caso es además Hendrickje Stoffels, la joven campesina que pocos años antes ingresó como sirvienta en casa del maestro, convirtiéndose pronto en su amante. De la unión nació una niña, Cornelis, la cual tendría unos tres años al ser realizado este retrato de su madre. La modelo conserva su aspecto fresco y juvenil mientras distribuye a manos llenas las flores recogidas en el halda de su vestido. El color claro de éste irradia la luz sobre el rostro, cubierto por un amplio sombrero que ornamentan ramajes floridos.

martes, 7 de diciembre de 2010

El juicio de Paris - The Judgment of Paris – Lucas Cranach el Viejo


Lucas Cranach el Viejo
El tema fue repetido en otras ocasiones, con variantes, por el pintor de la corte de Sajonia, quien describe la leyenda clásica relatada por Ovidio en las “Epístolas” como un episodio de su propia época. Paris y Mercurio visten armadura, mientras que las tres diosas, Venus, Minerva y Juno, llevan en torno al cuello gruesas cadenas de oro y adornan sus cabezas con sartas de perlas y un amplio sombrero, al igual que las damas del momento que Cranach retrató en otros cuadros. Por dicha razón, se ha pensado que el pintor hubiera identificado el juicio de Paris con la leyenda germánica del rey Albonack, quien se dice presentó a sus tres hijas desnudas al pagano rey Alfredo. Por otra parte, la manzana de oro se ha transformado en este caso en una bola de cristal, lo que introduce un nuevo factor de incertidumbre iconográfica. Los desnudos poseen el gélido erotismo que caracteriza el gusto de Cranach. Nótese que la actitud de contrapposto de Venus, sin duda la figura más sugerente de esta composición, se integra en una secuencia de ritmos curvos meticulosamente estudiada por el pintor y cuyos elementos indicativos son el sinuoso perfil del roquedo situado al fondo, a la derecha, y el tronco del árbol, del primer término.

El dux Alvise Mocenigo presentado al Redentor - Doge Alvise Mocenigo presented to the Redeemer - Jacopo Robusti Tintoretto

El dux Alvise Mocenigo presentado al Redentor - Doge Alvise Mocenigo presented to the Redeemer - Jacopo Robusti Tintoretto - Metropolitan Museum de Nueva York. El personaje principal, que se halla arrodillado sobre los escalones, es el propio Alvise Mocenigo. Ante él aparece Cristo rodeado por ángeles y, bajo este grupo, el león símbolo de la Republica. A la derecha del lienzo situó el artista a san Juan Bautista, san Luís de Tolosa y otros dos santos, uno de ellos con atributos episcopales. Éste representa tal vez a san Gregorio, patrón de la familia Mocenigo. La sala en que se desarrolla la escena tiene como fondo una vista de la plaza de san Marcos, con el palacio de lo dogos a la izquierda y la Librería Vecchia de Sansovino a la derecha. La composición evidencia gran número de cambios de idea; en primer lugar, la supresión por el artista de la figura de san Marcos, que ocupaba el lugar comprendido entre el león y el dux arrodillado. Por otra parte, una reciente limpieza ha revelado, sobre el celaje de la mitad izquierda del cuadro, dos figuras en estado de boceto, posiblemente esbozos para la de san Marcos.
Metropolitan Museum de Nueva York
1577
97,2 x 198,1 cm. Óleo sobre lienzo

Jacopo Robusti Tintoretto
El personaje principal, que se halla arrodillado sobre los escalones, es el propio Alvise Mocenigo. Ante él aparece Cristo rodeado por ángeles y, bajo este grupo, el león símbolo de la Republica. A la derecha del lienzo situó el artista a san Juan Bautista, san Luís de Tolosa y otros dos santos, uno de ellos con atributos episcopales. Éste representa tal vez a san Gregorio, patrón de la familia Mocenigo. La sala en que se desarrolla la escena tiene como fondo una vista de la plaza de san Marcos, con el palacio de lo dogos a la izquierda y la Librería Vecchia de Sansovino a la derecha. La composición evidencia gran número de cambios de idea; en primer lugar, la supresión por el artista de la figura de san Marcos, que ocupaba el lugar comprendido entre el león y el dux arrodillado. Por otra parte, una reciente limpieza ha revelado, sobre el celaje de la mitad izquierda del cuadro, dos figuras en estado de boceto, posiblemente esbozos para la de san Marcos.


Obras de:
Jacopo Robusti Tintoretto
Adán y Eva Batalla entre turcos y cristianosCreación de los animales
Cristo caminando sobre las aguas Ecce HomoEl dux Alvise Mocenigo presentado al Redentor
El lavatorio Jesús en casa de Marta y MaríaJudit y Holofernes
La cena de Emaús La Coronación de la Virgen, El ParaísoLa Dama que descubre el seno
Milagro de san Marcos Retrato del procurador Jacopo SoranzoSan Jorge y el dragón
San Marcos liberando a un esclavo Susana y los viejos


lunes, 6 de diciembre de 2010

Betsabé después del baño - The Toilet of Betsabe - Rembrandt Harmenszoon van Rijn


Rembrandt Harmenszoon van Rijn
El cuadro corresponde a una etapa dolorosa de la vida del artista, quien había perdido a su esposa, Saskia, en 1642 y no había hallado todavía una nueva compañera. Existen numerosos dibujos y estudios de esta escena, claro indicio de la obsesión erótica que le aquejaba, que manifiestan la ilimitada imaginación del pintor para hallar múltiples soluciones compositivas a un mismo tema. El ejemplar presenta a Betsabé sentada en el punto focal de un haz cenital, mientras que sus dos sirvientas se hallan virtualmente en la penumbra. Al fondo, a la izquierda, un rey David casi invisible contempla la escena con concupiscencia.

Adoración de los pastores - The Adoration of the Shepherds – Andrea Mantegna


Andrea Mantegna
Se trata de una obra pintada al temple sobre tabla que, por necesidades de conservación, fue transferida a lienzo en época reciente. Integran la composición la figura central de la Virgen, arrodillada ante el Niño que duerme en el suelo sobre un pliegue de su manto, san José, sentado sobre un escalón del suelo rocoso, y dos pastores que acuden a postrarse ante el recién nacido. Por el camino del fondo, a la derecha, avanzan con el mismo propósito un hombre y una mujer. La escena se halla ambientada con un panorama de paisaje en el que juegan los roquedos de formas escultóricas, las sinuosas líneas del camino y el río y una vegetación casi esteparia. En el portal, situado a la izquierda, aparece el buey, un árbol frutal y varios querubines. Gracias al punto de vista adoptado por el pintor, las figuras del primer término poseen un acusado carácter de monumentalidad. Mantegna dibuja las formas con líneas precisas, haciendo gala de extraordinaria inventiva en la creación de los elementos naturales del paisaje.

sábado, 4 de diciembre de 2010

Paraíso – Paraise - Giovanni di Paolo


Giovanni di Paolo
Constituye una muestra del estilo arcaizante, tremendamente personal, del artista sienés, quien crea en esta composición un mundo irreal bordado con pinceladas precisas gracias a las cuales posee la obra un carácter miniaturístico. En este jardín de los bienaventurados se dan cita hombres y mujeres de diversas edades y condición, a los que une el común estado de gracia. El pintor ha conseguido describir convincentemente el efecto fraterno que existe entre ellos, su sentimiento de haber alcanzado la suprema paz, por medio de gestos explícitos.

Nacimiento de la Virgen - The Birth of the Virgen – Maestro de las tablas Barberini


Maestro de las tablas Barberini
A un anónimo pintor manifiestamente interesado en los problemas de la arquitectura se debe la tabla, obra procedente del Palacio Barberini de Roma, circunstancia que determina el nombre con el que la crítica designa a su autor en espera de que el azar o el descubrimiento de nuevas pinturas de su mano vengan a revelar su verdadera identidad. La composición posee una extraordinaria grandiosidad espacial y gran variedad de términos, buscando el pintor que la disposición de los personajes sirva para dar la escala del escenario arquitectónico.

miércoles, 1 de diciembre de 2010

Nacimiento con donantes y santos - The Nativity with Donors and Saints Jerome and Leonard - Gérard David


Gérard David
En su tabla central se advierte la influencia compositiva de Hugo van der Goes, mientras que en las laterales el artista se atiene a las normas tradicionales en esta clase de obras, es decir, la disposición simétrica de los personajes. El ala izquierda muestra al donante arrodillado, en compañía de su santo patrón, san Jerónimo; ambos tienen como fondo elementos arquitectónicos ruinosos que prolongan el portal de la composición principal. Idéntico esquema se aplica al lateral derecho, donde aparece una dama, junto a san Vicente. Es muy posible que esta obra fuese exportada a España en fecha antigua, como tantas otras de la mano del artista.

Madonna y el Niño - Madonna and Child – Carlo Crivelli


Carlo Crivelli
Se trata de una pintura sobre tabla que corresponde a la etapa de madurez del artista. La perfección de las líneas, la elegancia de las formas y la brillantez del color son características del gusto refinado de Crivelli, cuyas composiciones poseen una atmósfera cristalina y luminosa. La estilización de las figuras de la Virgen y el Niño no resta realismo a la representación, cuyo fondo está constituido por un paisaje puramente convencional. La composición incluye numerosos elementos alegóricos, como el moscardón posado sobre el pretil, símbolo de la maldad o del demonio, o las manzanas, alusión al pecado original, y el pepino, referencia a la historia de Jonás e identificada con la Resurrección, que cuelgan a ambos lados de la cabeza de María. Como es habitual, el pintor se sirve del oro para realzar los halos y la suntuosa tela del manto mariano. La tabla se halla firmada en el cartellino situado sobre el paño que cuelga del antepecho decorado con motivos vegetales en bajorrelieve.

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