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jueves, 30 de junio de 2011

Retrato de Henry Howard, Conde de Surrey - Portrait of Henry Howard, the Earl of Surrey – Hans Holbein el Joven

Museo de Sao Paulo

Hans Holbein el Joven
El artista manifiesta en esta obra su interés por reflejar verazmente la imagen del personaje, sin conceder la merced de un tratamiento benévolo a las irregularidades fisonómicas, exponentes de su personalidad. Así, al disponer el rostro en tres cuartos de perfil, subraya el pintor la asimetría de los ojos del conde, el contorno anguloso y huidizo de sus rasgos, la inquietante expresión de la boca que no es disimulada por el ralo bigote y la despoblada perilla. El carácter introvertido y extraño del retratado cobra plena dimensión gracias a su actitud replegada; atrincherado en su capa, Henry Howard deja apenas asomar la mitad de su mano diestra. Sorprende en este cuadro la capacidad de comprensión por parte del artista, su virtuosismo en la ejecución y la sobriedad de los medios empleados. El color sordo de la indumentaria y el fondo contribuye a concentrar el interés en el elemento expresivo fundamental, ese rostro mezquino y de aspecto poco franco.

lunes, 27 de junio de 2011

Retrato de Auguste Gabriel Godefroy - Portrait of Auguste Gabriel Godefroy - Jean-Baptiste Chardin

Museo de Sao Paulo

Jean-Baptiste Chardin
Indica el interés de Chardin por el estudio de la realidad, realizado siempre de acuerdo con los principios de la sobriedad y la simplicidad. Este retrato, con la figura de un niño que sigue atentamente las evoluciones de una peonza sobre la mesa en que asimismo responde al concepto del “cuadro de gabinete”. En el reducido espacio del lienzo, el pintor ha logrado plasmar convincentemente la atmósfera de un interior doméstico; los problemas de iluminación han sido resueltos a la manera de los intimistas holandeses, recortando la figura del niño sobre un fondo claro y cálido. Contribuye decisivamente al verismo de los objetos en el espacio y el tiempo su reflejo en la pulida superficie de la mesa. La inmóvil peonza establece el punto de referencia necesario para comprender la instantaneidad del momento. El secreto plástico de Chardin reside en el empleo de una técnica segura y minuciosa que valora las calidades y los volúmenes por medio de sutiles veladuras de color.

sábado, 25 de junio de 2011

Las bañistas - Bathers on the Seine - Édouard Manet

Museo de Sao Paulo

Édouard Manet
Se trata de un lienzo de aspecto inacabado, circunstancia que le confiere un extraordinario impacto expresivo. En la bañista del primer término es patente la devoción de Manet por la pintura de Goya, con cuyas Majas ofrece esta figura innegables puntos de contacto. El carácter abocetado de su rostro y el ostensible cambio de posición en la pierna derecha contribuyen a valorar la espontaneidad característica del autor. Por último, la indefinición del paisaje es un deliberado recurso para dotar al cuadro de una atmósfera intimista.

viernes, 24 de junio de 2011

La Virgen con el Niño - Madonna with the Child - Giovanni Bellini

Museo de Sao Paulo

Giovanni Bellini
La figura mariana aparece de pie tras un pretil de mármol en el que se halla inscrito, con caracteres epigráficos, el nombre del pintor. El Niño desnudo acaricia el rostro de su madre la cual lo sostiene amorosamente con ambas manos. Tras las figuras cuelga un paño de seda al que la luz proporciona realidad espacial; a los lados se abre un sencillo panorama de paisaje, bajo un cielo animado por nubes de bonanza. Se interesa Bellini en esta composición por conceder a cada elemento su exacta posición en el espacio, empeño para el que se sirve de una iluminación tamizada que resalta los matices satinados del manto azul de la Virgen. Las carnaciones adquieren su modelado gracias a un moderado juego de claroscuros, cuya máxima virtud son, sin duda, las transparencias de los espacios en sombra.

jueves, 23 de junio de 2011

La niña de la gavilla - Little Girl with a Spray of Flowers - Auguste Renoir

Museo de Sao Paulo

Auguste Renoir
Ofrece en el plano técnico la innovación del empleo de gamas cromáticas de gran pureza y extraordinaria intensidad, procedimiento que se ha dado en designar con el calificativo de paleta arco iris. La oposición de pinceladas de tonos complementarios y la supresión de la línea en el contorno de la figura, con objeto de fundirla con el medio atmosférico que la circunda, preludia el método divisionista.

miércoles, 22 de junio de 2011

La bañista del grifón - La Baigneuse au griffon - Auguste Renoir

Museo de Sao Paulo                                                                                                                                                                                           

Auguste Renoir
El tratamiento del paisaje –poblado por elementos vegetales que poseen realidad espacial- y el modelado del desnudo por efectos de claroscuro perfectamente dosificados proceden de una antigua tradición naturalista. Además revela una incipiente asimilación de la técnica impresionista, sin duda merced al contacto con Monet, Bazille y Sisley. La ordenación de las figuras, el lanudo perro y los vestidos de que se ha despojado la bañista responde a un criterio de equilibrio compositivo del que existen numerosos precedentes en la historia de la pintura.

martes, 21 de junio de 2011

El gran pino - Great-pine - Paul Cézanne

Museo de Sao Paulo

Paul Cézanne
Constituye un estudio de la descomposición de la forma y su múltiple proyección en el espacio. No alcanza el autor a deshojar los planos de la realidad material en la manera que posteriormente recibiría el calificativo de cubista, pero en estado embrionario su despiece de la imagen contiene los principios en los que debía basarse dicha tendencia. El tema del paisaje presidido por un árbol de personalidad individual aparece reiteradamente en la obra del pintor, quien sentía un gran afecto por los ejemplares destacados del paisaje vegetal, a propósito de uno de los cuales –un pino- escribió: “es un ser viviente al que amo como a un viejo camarada. Conoce toda mi vida y me da excelentes consejos (…) Desearía ser enterrado bajo él.”

lunes, 20 de junio de 2011

El cardenal Nicolás Albergati - Portrait of Cardinal Niccolò Albergati - Jan Van Eyck

El cardenal Nicolás Albergati - Portrait of Cardinal Niccolò Albergati - Jan Van Eyck - Kunsthistorisches Museum, Viena. Dado que el cardenal no se podía prestar a servir de modelo por largo tiempo, en razón de sus obligaciones, Van Eyck se vio forzado a realizar un boceto a partir del cual compondría el retrato definitivo. Como en todas las obras del género que se deben a la mano del maestro flamenco, sorprende la robustez de los rasgos y la ausencia de elementos accesorios, que refuerza el valor expresivo de la representación.
Kunsthistorisches Museum, Viena
1431
34 x 27,5 cm. Óleo sobre madera

Jan Van Eyck
Dado que el cardenal no se podía prestar a servir de modelo por largo tiempo, en razón de sus obligaciones, Van Eyck se vio forzado a realizar un boceto a partir del cual compondría el retrato definitivo. Como en todas las obras del género que se deben a la mano del maestro flamenco, sorprende la robustez de los rasgos y la ausencia de elementos accesorios, que refuerza el valor expresivo de la representación.


Obras de:
Jan Van Eyck
El cardenal Nicolás Albergati La Fuente de la Gracia La Virgen y el Niño en una iglesia
Retrato de Giovanni Arnolfini Tríptico de la Virgen, san Miguel y santa Catalina Virgen del canciller Rolin


domingo, 19 de junio de 2011

Tríptico de la Crucifixión - Crucifixion Triptych - Roger Van der Weyden

Tríptico de la Crucifixión - Crucifixion Triptych - Roger Van der Weyden - Kunsthistorisches Museum de Viena. La tabla central ofrece la escena del Calvario, con las figuras del Crucificado acompañado por dos ángeles en grisalla, La Virgen y san Juan, y una pareja de donantes, descrita con riguroso ánimo retratístico. En las laterales aparecen María Magdalena y la Verónica, sobre las que también vuelan sendos ángeles tratados en grisalla. Mientras que los personajes adoptan un rotundo carácter corpóreo, el paisaje cobra una difuminación y transparencias que le proporcionan un aspecto puramente accidental. El autor dedica gran atención al tratamiento de los ropajes, que se escalonan en pliegues abruptos de condición escultórica.
Kunsthistorisches Museum de Viena
1445
101 x 140 cm. Óleo sobre tabla de roble

Roger Van der Weyden
La tabla central ofrece la escena del Calvario, con las figuras del Crucificado acompañado por dos ángeles en grisalla, La Virgen y san Juan, y una pareja de donantes, descrita con riguroso ánimo retratístico. En las laterales aparecen María Magdalena y la Verónica, sobre las que también vuelan sendos ángeles tratados en grisalla. Mientras que los personajes adoptan un rotundo carácter corpóreo, el paisaje cobra una difuminación y transparencias que le proporcionan un aspecto puramente accidental. El autor dedica gran atención al tratamiento de los ropajes, que se escalonan en pliegues abruptos de condición escultórica.


Obras de:
Roger Van der Weyden
Adoración de los reyes Adoración del Niño Jesús del retablo de MiddelburgDegollación de san Juan Bautista del retablo de Miraflores
El Descendimiento El hombre de la flechaLa Piedad
La Virgen con el Niño, coronada por un ángel Magdalena del tríptico BraquePiedad
Piedad con un donante y santos Retrato de Carlos el TemerarioTríptico de la Crucifixión
Virgen de la leche


sábado, 18 de junio de 2011

El baño de Diana - The Bath of Diana - François Clouet

Museo de Sao Paulo 

François Clouet
La composición muestra en un frondoso marco paisajístico a la diosa rodeada por sus ninfas y un sátiro que toca una flauta; en primer término aparece otra figura masculina, vuelta hacia el espectador en forzado escorzo, y en un plano más alejado un jinete ocupado en la caza, cuyos perros –a la derecha- atenazan un ciervo caído. El análisis de cada una de las figuras revela en el pintor un propósito por descubrir posturas originales, componiéndolas con sujeción a un ritmo preestablecido. En los desnudos femeninos se repite el procedimiento de representar las piernas en flexión y los brazos arqueados so pretexto de sostener ropajes y lienzos. Todo ello es, en definitiva, tributario de fórmulas del manierismo italiano. El paisaje, umbrío, recuerda los escenarios utilizados por artistas flamencos de la misma época.

viernes, 17 de junio de 2011

Venus y Adonis - Venus and Adonis - Jacopo Amigoni

Academia de Venecia

Jacopo Amigoni
La composición muestra a la pareja en un paisaje imaginario, de términos difuminados por brumas grisáceas que sirven para contrastar la calidad aporcelanada de los desnudos. El autor ha creado un ambiente de bucolismo ficticio, en el que las figuras desarrollan acciones rebuscadas. Sirva de ejemplo el juego de los amorcillos con el galgo. O la superposición al costado de Venus de las dos representaciones infantiles aladas. Uno de los secretos técnicos del cuadro es la evanescencia de las formas, circunstancia que permite situarlo en la época de madures de su autor, es decir, hacia 1740.

jueves, 16 de junio de 2011

Retrato de una cortesana - Portrait of a Woman - Vittore Carpaccio

Galería Borghese

Vittore Carpaccio
Hasta su restauración en 1916, estaba catalogado como “una santa, de autor incierto”. Importantes repintes habían mixtificado el carácter civil de la representación, enmascarando el personal estilo de este maestro veneciano. El modelo aparece en busto y tres cuartos de perfil, tocado con un bonete en forma de turbante y con cuatro vueltas de collares en torno al cuello que enriquecen el amplio escote. Su rostro juvenil se halla valorado por un procedimiento que recuerda la grisalla, efecto que refuerza la parquedad cromática del cuadro. La figura pudiera haber sido extraída de una de las multitudinarias composiciones de Carpaccio, cuyos personajes reciben también un tratamiento retratístico.

miércoles, 15 de junio de 2011

Retrato de hombre - Portrait of a Man - Antonello da Messina

Galería Borghese

Antonello da Messina
En un inventario realizado en 1682, se describe el cuadro como “ritratto de un giovane con capigliara”, palabra esta que designa de un modo específico el sombrero que lleva el personaje, en forma que recuerda la de un turbante del que cuelga una larga tira de tela. El rostro ha sido representado en tres cuartos de perfil, con un procedimiento de modelado de gran riqueza de gradaciones, característico de Antonello. A pesar de la vigorosa caracterización sicológica, la identidad del retratado no ha sido desvelada hasta la fecha.

martes, 14 de junio de 2011

Madonna - Madonna and Child - Giovanni Bellini

Galería Borghese

Giovanni Bellini
Cuadro firmado por el maestro en el cartellino que aparece en el centro de la parte baja. En la construcción de las figuras de la Virgen y el Niño se advierte el olvido de las fórmulas de Mantegna, que han sido suplantadas por un sentimiento intimista, humanizador de la representación. Las calidades esfumadas de las carnaciones sirven para integrar a los personajes en el paisaje. Es interesante señalar, como dato relativo al procedimiento pictórico, que el árbol fue trazado después que los términos paisajísticos, como lo demuestra el hecho de la continuidad de las líneas de éstos bajo el tronco de aquél.

lunes, 13 de junio de 2011

Madonna con san Juanito y ángeles músicos - The Adoration of the Christ Child - Piero di Cosimo

Galería Borghese

Piero di Cosimo
La composición se abre al paisaje de fondo, en el que aparecen un caminante –tal vez san José-, el buey y la mula. Iconográficamente, cabe anotar el hecho de que el Niño Jesús, recostado en un saco, ha tomado la vara cruciforme, atributo propio de san Juan Bautista, quien aparece arrodillado ante él.

sábado, 11 de junio de 2011

La scuola di San Marco - The Scuola of San Marco - Bernardo Bellotto

Academia de Venecia

Bernardo Bellotto
Este cuadro demuestra la completa asimilación del estilo de su mentor y tío, Canaletto, y un total mimetismo con su fórmula compositiva, razones por las que en ocasiones se confunden las obras de ambos artistas. En la orilla derecha del canal ha representado Bellotto la fábrica de la Scuola di San Marco.

viernes, 10 de junio de 2011

El concierto - The Concert - Pietro Longhi

Academia de Venecia 

Pietro Longhi
Permite a Longhi discursear con sarcasmo acerca de uno de los elementos que componían la vida burguesa, la música, que se incorporaba frecuentemente a las festividades domésticas por obra y gracia de profesionales que prestaban sus servicios contra el pago de ciertos honorarios. En los salones venecianos, como refleja el pintor, la música era un simple acompañamiento, obligado por el nivel social del propietario. Mientras los violinistas se esfuerzan por dar sonido a las notaciones inscritas en las partituras, tres caballeros, entre ellos un monje, se entregan al juego de naipes.

jueves, 9 de junio de 2011

Crucifixión con san Jerónimo y san Cristóbal - The Crucifixion with Sts Jerome and Christopher – Pinturicchio

Galería Borghese

Pinturicchio
Pintada al óleo sobre tabla, es un característico ejemplo del estilo juvenil de Bernardino di Betto, llamado Pinturicchio. La obra de este artista umbro –Umbría, Italia- manifiesta una gran facilidad de ejecución, circunstancia de la que procede el tono artificioso de las representaciones humanas y la condición estereotipada del paisaje. Por su excelente estado de conservación, permite además este cuadro reconocer en el Pinturicchio una vocación colorista y el deseo de ofrecer una visión cristalina de la realidad. Los términos del paisaje son transparentes y no aparecen velados por los vapores atmosféricos; lo mismo ocurre con el agua del riachuelo que permite ver con claridad los pies de san Cristóbal y los peces y anguilas que nadan en ella. El pintor busca fórmulas rítmicas en el plegado de los ropajes, a los que la luz confiere toque dorados.

miércoles, 8 de junio de 2011

San Marcos liberando a un esclavo - The Miracle of St Mark Freeing the Slave - Jacopo Robusti Tintoretto

San Marcos liberando a un esclavo - The Miracle of St Mark Freeing the Slave - Jacopo Robusti Tintoretto - Gallerie dell'Accademia, Venice. La composición describe el episodio de la liberación por san Marcos de uno de sus devotos, el esclavo de un caballero de Provenza que había sido castigado al cepo por haber venerado una reliquia del santo. La intervención de éste se produjo en el momento en que se iba a consumar la sentencia de arrancar los ojos y cortar los miembros del siervo. En el suelo aparece el esclavo desnudo, y arremolinados a su alrededor los verdugos y un compacto grupo de hombres y mujeres. El santo planea sobre ellos en atrevido escorzo, de modo que su cara es irreconocible por causa de la visión perspectiva. Su presencia ocasiona la destrucción del cepo y la rotura de los instrumentos de suplicio. El dueño del siervo, sentado en el pedestal del lado derecho, expresa su impotencia e ira ante el milagro. Completan la composición dos figuras con indumentarias moriscas, sobre la lejana balconada, y las efigies de dos caminantes que se aproximan a la puerta del fondo. Un análisis en detalle de este lienzo permite, una vez más, constatar una facilidad técnica y una economía de medios pictóricos que son características de la manera de hacer de Tintoretto. Los toques de luz están compuestos por grandes manchas que, en la observación a distancia, han de proporcionar la deseada impresión de realidad. En el escorzo del cuerpo desnudo del esclavo se manifiesta un dominio del claroscuro que permite al artista reducir a su más simple expresión este recurso pictórico. Dicha figura, con su paralelo en la del santo que planea sobre ella, constituye la clave compositiva del cuadro. Sus líneas en fuga se conjugan con las de la perspectiva arquitectónica para dar a la escena su profundidad espacial. Tintoretto construía, antes de abordar la ejecución del cuadro, modelos de cera que le permitían estudiar de forma empírica y mediante adecuados recursos luminotécnicos los efectos de proporción, perspectiva, luz y composición.
Academia de Venecia
1548
416 x 544 cm. Óleo sobre lienzo

Jacopo Robusti Tintoretto
La composición describe el episodio de la liberación por san Marcos de uno de sus devotos, el esclavo de un caballero de Provenza que había sido castigado al cepo por haber venerado una reliquia del santo. La intervención de éste se produjo en el momento en que se iba a consumar la sentencia de arrancar los ojos y cortar los miembros del siervo. En el suelo aparece el esclavo desnudo, y arremolinados a su alrededor los verdugos y un compacto grupo de hombres y mujeres. El santo planea sobre ellos en atrevido escorzo, de modo que su cara es irreconocible por causa de la visión perspectiva. Su presencia ocasiona la destrucción del cepo y la rotura de los instrumentos de suplicio. El dueño del siervo, sentado en el pedestal del lado derecho, expresa su impotencia e ira ante el milagro. Completan la composición dos figuras con indumentarias moriscas, sobre la lejana balconada, y las efigies de dos caminantes que se aproximan a la puerta del fondo.
Un análisis en detalle de este lienzo permite, una vez más, constatar una facilidad técnica y una economía de medios pictóricos que son características de la manera de hacer de Tintoretto. Los toques de luz están compuestos por grandes manchas que, en la observación a distancia, han de proporcionar la deseada impresión de realidad. En el escorzo del cuerpo desnudo del esclavo se manifiesta un dominio del claroscuro que permite al artista reducir a su más simple expresión este recurso pictórico. Dicha figura, con su paralelo en la del santo que planea sobre ella, constituye la clave compositiva del cuadro. Sus líneas en fuga se conjugan con las de la perspectiva arquitectónica para dar a la escena su profundidad espacial. Tintoretto construía, antes de abordar la ejecución del cuadro, modelos de cera que le permitían estudiar de forma empírica y mediante adecuados recursos luminotécnicos los efectos de proporción, perspectiva, luz y composición.


Obras de:
Jacopo Robusti Tintoretto
Adán y Eva Batalla entre turcos y cristianosCreación de los animales
Cristo caminando sobre las aguas Ecce HomoEl dux Alvise Mocenigo presentado al Redentor
El lavatorio Jesús en casa de Marta y MaríaJudit y Holofernes
La cena de Emaús La Coronación de la Virgen, El ParaísoLa Dama que descubre el seno
Milagro de san Marcos Retrato del procurador Jacopo SoranzoSan Jorge y el dragón
San Marcos liberando a un esclavo Susana y los viejos


martes, 7 de junio de 2011

Madonna con santos - Madonna Enthroned with Saints - Paolo Veronés

Madonna con santos - Madonna Enthroned with Saints - Paolo Veronés, Academia de Venecia. Veronés se atiene a un esquema compositivo basado en el respeto de una de las líneas diagonales del lienzo. Originalmente, éste era de mayor altura y se hallaba rematado en medio punto, estructura que se evocó tras su mutilación por el procedimiento de pintar con tonos neutros las esquinas superiores. En su estado actual, las proporciones compositivas se hallan, pues, un tanto falseadas. Las figuras de la Virgen y el Niño se hallan desplazadas a la derecha, lado en el que aparece san José. Junto al monumental basamento de mármoles ha situado el pintor a santa Justina, san Francisco y san Jerónimo, reservando para san Juanito un lugar a los pies de la Virgen. La disposición de los personajes deja un vacío en el triángulo superior izquierdo, donde se despliega un fondo arquitectónico compuesto por una hornacina cubierta por una tela brocada, que encuadran delicados relieves y una columna estriada.
Academia de Venecia
1562-1564
341 × 193 cm. Óleo sobre lienzo

Paolo Veronés
Veronés se atiene a un esquema compositivo basado en el respeto de una de las líneas diagonales del lienzo. Originalmente, éste era de mayor altura y se hallaba rematado en medio punto, estructura que se evocó tras su mutilación por el procedimiento de pintar con tonos neutros las esquinas superiores. En su estado actual, las proporciones compositivas se hallan, pues, un tanto falseadas. Las figuras de la Virgen y el Niño se hallan desplazadas a la derecha, lado en el que aparece san José. Junto al monumental basamento de mármoles ha situado el pintor a santa Justina, san Francisco y san Jerónimo, reservando para san Juanito un lugar a los pies de la Virgen. La disposición de los personajes deja un vacío en el triángulo superior izquierdo, donde se despliega un fondo arquitectónico compuesto por una hornacina cubierta por una tela brocada, que encuadran delicados relieves y una columna estriada. 

Obras de:
Paolo Veronés
Bautismo de CristoCreación de Eva Cristo en el Huerto de los Olivos
Desposorios místicos de santa Catalina La disputa con los doctores en el TemploLa familia de Darío ante Alejandro
Las bodas de CanáMadonna con santos Marte y Venus unidos por el Amor
Moisés salvado de las aguas San Antonio predicando a los peces Venus y Adonis


lunes, 6 de junio de 2011

La botica - The Spice-vendor's shop - Pietro Longhi

Academia de Venecia

Pietro Longhi
Con fino sentido satírico describió Longhi la vida de la sociedad veneciana de su época. Como demuestra la escena, el pintor se interesaba más por la narración de los episodios y la caracterización de los tipos que por los valores plásticos. En esta obra se complace en ironizar acerca de la práctica de la medicina, en un tono que recuerda a Moliére. La composición tiene por fondo los anaqueles con tarros de cerámica y botellas que contienen los productos de virtud curativa. En el centro aparece el boticario, practicando una cura dental a una mujer de aspecto sufriente. Aguardan turno otros dos pacientes, clérigo uno de ellos, mientras un médico, sentado ante la mesa, escribe con atención sus recetas. A la izquierda, un ayudante se ocupa de avivar el fuego de un hornillo en el que cuecen milagrosas pócimas. Longhi ha tratado el tema con una característica moderación formal, en la que, sin embargo, puede reconocerse el germen del caricaturismo de Daumier. Por meras conveniencias narrativas concentra la luz, procedente de una claraboya, en los personajes principales, la paciente, el boticario y el médico, dejando a los comparsas en un medio de iluminación más discreta.

domingo, 5 de junio de 2011

La adivinadora - The Soothsayer - Giovanni Battista Piazzetta

Academia de Venecia

Giovanni Battista Piazzetta
Utiliza Piazzetta el recurso de describir el perfil en sombra del rostro sobre el fondo claro que proporciona el vestido de la figura principal. Distingue al pintor de sus precursores un nuevo concepto del contraste luminoso, que abandona el tenebrismo para enriquecerse con la más variada gama de transiciones tonales. Es necesario señalar que la aparente espontaneidad de factura del lienzo encubre, en realidad, un procedimiento estudiado y lento, cerebral en suma.

sábado, 4 de junio de 2011

Eliezer y Rebeca - Eleazer and Rebecca - Francesco Solimena

Eliezer y Rebeca - Eleazer and  Rebecca - Francesco Solimena - Academia de Venecia. El tratamiento de las figuras con duros contrastes de luces y sombras no responde ya al propósito caravaggista, sino a un concepto más sofisticado de la elegancia de la forma, en cierto sentido desprovisto de valor narrativo. La sucesión de planos en el reducido espacio que ocupa el grupo de personajes se consigue con artificios ilusionistas que Solimena aprende de Mattia Preti; es el triunfo de la imaginación sobre el rigor descriptivo. En torno al pozo se agolpan figuras construidas con impecable dibujo y animadas por efectos luminosos que demuestran la tensión de sus cuerpos. El dinamismo contenido de tales representaciones es subrayado por el dramatismo ambiental y la densidad cromática.
Academia de Venecia
1710
202 x 150 cm. Óleo sobre lienzo

Francesco Solimena
El tratamiento de las figuras con duros contrastes de luces y sombras no responde ya al propósito caravaggista, sino a un concepto más sofisticado de la elegancia de la forma, en cierto sentido desprovisto de valor narrativo. La sucesión de planos en el reducido espacio que ocupa el grupo de personajes se consigue con artificios ilusionistas que Solimena aprende de Mattia Preti; es el triunfo de la imaginación sobre el rigor descriptivo. En torno al pozo se agolpan figuras construidas con impecable dibujo y animadas por efectos luminosos que demuestran la tensión de sus cuerpos. El dinamismo contenido de tales representaciones es subrayado por el dramatismo ambiental y la densidad cromática.


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Giovanni Battista Piazzetta

viernes, 3 de junio de 2011

El sueño de Esculapio - Dream of Aesculapius - Sebastiano Ricci

Academia de Venecia

Sebastiano Ricci
Este cuadro requiere la mención previa del fervor que sentía su autor por la obra de Veronés. Aunque su tratamiento sea distinto, las figuras del primer término conservan un espíritu de monumentalidad imputable al influjo de aquel maestro, de quien también procede el gusto escenográfico –la representación de un suntuoso lecho con baldaquino- y la sensibilidad para captar la vibración lumínica de las telas. El éxito que Ricci obtuvo en su momento se explica por su capacidad para transcribir el color con frescura y viveza, por su ingenio compositivo y teatralidad barroca llevada al paroxismo.

jueves, 2 de junio de 2011

El rapto de Europa - The Rape of Europa - Francesco Zuccarelli

El rapto de Europa - The Rape of Europa - Francesco Zuccarelli, Academia de Venecia, Cristo, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Pintura, Escultura, Poesía, Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, Madrid, Italia, París, Londres, Renacimiento, Barroco, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Museo del Arte.
Academia de Venecia
1740-50
142 x 208 cm. Óleo sobre lienzo

Francesco Zuccarelli
El lienzo es un característico ejemplo de una manera artificiosa y repetitiva que introduce figuras –en este caso con el pretexto mitológico- en un paisaje compuesto de acuerdo con un limitado recetario. Como es habitual en Zuccarelli, a los lados del cuadro aparecen masas de vegetación arbórea, cuya densidad sirve para enmarcar, lo mismo que la embocadura de un teatro, el decorado central. Europa aparece sobre el toro que se introduce en el agua, ante un fondo de paisaje con un pastor y su ganado, que se cierra al fondo con edificios de aspecto castellano coronados por nubes bajas. Amorcillos, ninfas, un galgo y un carnero ocupan el primer término, sin que su presencia en este plano menos iluminado que la zona central sirva para establecer convincentes referencias espaciales. Los gestos de los personajes y su convencional indumentaria “a la antigua” responden también al gusto de esta escuela de paisajistas venecianos, cuya producción gozó de un amplio mercado.

miércoles, 1 de junio de 2011

Desposorios místicos de santa Catalina - The Marriage of St Catherine - Paolo Veronés

Desposorios místicos de santa Catalina - The Marriage of St Catherine - Paolo Veronés Academia de Venecia - Academia de Venecia. La Virgen y el Niño aparecen en este cuadro sobre una escalinata marmórea, cuyos peldaños están decorados con bajorrelieves tratados en grisalla, con un procedimiento que recuerda el utilizado por Paris Bordone en el lienzo Pescador entregando el anillo de san Marcos al dux. Tras ellos se alza una columnata espectacularmente envuelta en un cortinaje arremolinado por el viento. El Niño coloca un anillo en la mano derecha de santa Catalina, vestida con traje cortesano y tocada con una corona. Rodean a las figuras principales ángeles músicos y cantores, mientras que en el cielo con rompimiento de gloria planean arcángeles y querubines. Las masas compositivas se hallan dispuestas de acuerdo con una de las diagonales del lienzo. En el lado izquierdo ha concentrado el pintor el compacto grupo de figuras y volumen de los elementos arquitectónicos; para equilibrar su peso, ha introducido en la parte superior derecha –es decir, en el otro triángulo delimitado por la diagonal- el agitado conjunto de seres voladores. El procedimiento es característico de Veronés, uno de los artistas venecianos del momento más preocupados por desarrollar un nuevo clasicismo compositivo.
Academia de Venecia
1575
337 × 241 cm. Óleo sobre lienzo

Paolo Veronés
La Virgen y el Niño aparecen en este cuadro sobre una escalinata marmórea, cuyos peldaños están decorados con bajorrelieves tratados en grisalla, con un procedimiento que recuerda el utilizado por Paris Bordone en el lienzo Pescador entregando el anillo de san Marcos al dux. Tras ellos se alza una columnata espectacularmente envuelta en un cortinaje arremolinado por el viento. El Niño coloca un anillo en la mano derecha de santa Catalina, vestida con traje cortesano y tocada con una corona. Rodean a las figuras principales ángeles músicos y cantores, mientras que en el cielo con rompimiento de gloria planean arcángeles y querubines. Las masas compositivas se hallan dispuestas de acuerdo con una de las diagonales del lienzo. En el lado izquierdo ha concentrado el pintor el compacto grupo de figuras y volumen de los elementos arquitectónicos; para equilibrar su peso, ha introducido en la parte superior derecha –es decir, en el otro triángulo delimitado por la diagonal- el agitado conjunto de seres voladores. El procedimiento es característico de Veronés, uno de los artistas venecianos del momento más preocupados por desarrollar un nuevo clasicismo compositivo.

Obras de:
Paolo Veronés
Bautismo de CristoCreación de Eva Cristo en el Huerto de los Olivos
Desposorios místicos de santa Catalina La disputa con los doctores en el TemploLa familia de Darío ante Alejandro
Las bodas de CanáMadonna con santos Marte y Venus unidos por el Amor
Moisés salvado de las aguas San Antonio predicando a los peces Venus y Adonis


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