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miércoles, 26 de octubre de 2011

Piedad / Petrus Christus

Reales museos de Bruselas

Petrus Christus
Concebido con un criterio monumental, situando la escena en un anchuroso paisaje para colocar sobre él un grupo central muy bien construido por el escalonamiento de las figuras en torno a la Virgen y ligado abajo por la curva del cuerpo de Cristo y su sudario. Las figuras secundarias, a los lados, acompañan a esta magistral composición.
Queda la impronta inconfundible de Petrus Christus en el profundo sentimiento que expresa y en la exquisitez con que maneja los colores, logrando riquísimos matices de verde o llegando a una gran delicadeza con sus tonos violetas y malvas.

Mujer aseándose / Edgar Degas

Art Institute de Chicago

Edgar Degas
La composición fragmentaria ilustra el propósito tantas veces expresado por su autor: “Incluso cuando se trabaja del natural hay que componer.” El artista adopta un punto de vista alto, de modo que la figura aparece vista en escorzo, sujetando con una mano su larga cabellera cobriza, con objeto de evitar que caiga sobre el rostro, mientras que con la restante pasa una toalla por la parte posterior del cuello. El desnudo se halla encuadrado por un cortinaje amarillo y destaca sobre la banda roja del fondo, formada por otra cortina que el artista no se ha interesado en describir explícitamente. El ambiente de la estancia queda esbozado por los toques chispeantes de color del papel que recubre el muro y la mancha de las sábanas blancas que se hallan apiladas en un rincón. Ello sugiere el momento matinal en el que tiene lugar el íntimo ritual del aseo de la mujer, que Degas ha detenido en el tiempo con aparente verismo. Este pastel fue realizado en 1903.

martes, 25 de octubre de 2011

Lectura en el jardín / Mary Cassatt

Art Institute de Chicago

Mary Cassatt
En este caso, Mary Cassatt pretende ante todo rendir la impresión atmosférica, describir las relaciones luminosas y cromáticas que existen entre la modelo y el medio ambiente. El tratamiento de la figura, a base de pinceladas de amplio espectro, recuerda la técnica arco iris de Renoir. Con este procedimiento laborioso contrasta el abocetamiento del fondo, compuesto por manchas deslavazadas que no cubren por completo la imprimación del lienzo, utilizada como color subsidiario. Por otra parte, la posición que la figura ocupa en el espacio se halla señalada por los rotundos trazos lineales que forman los brazos y respaldo del sillón. La modelo del cuadro es Lydia, hermana de Mary Cassatt.

Madre e hija / Mary Cassatt

Art Institute de Chicago

Mary Cassatt
La versatilidad de la técnica del pastel permite en este caso una extraordinaria variedad de tratamientos de la forma. Así, los rostros y el brazo izquierdo de la niña reciben un modelado vigoroso y tradicional, inspirado sin duda en la manera de Ingres, mientras que la mano izquierda de la madre y el contorno de su brazo derecho conservan un carácter lineal y abocetado. El cuadro posee, en suma, una gran originalidad de método y fue concebido con ternura, a pesar de que, como es habitual en su autora, se advierte una paradójica falta de emoción expresiva.

Muchacha / Odilon Redon

Art Institute de Chicago

Odilon Redon
Esta composición al pastel, en la que aparece una figura femenina en medio cuerpo y perfil, enmarcada por un cuarto de circulo, evoca una de las constantes de la pintura de Redon, su interés por un mundo poético en el que, de modo abstracto, afloran sugerencias atmosféricas y florales. Corresponde la obra al género más representativo, imaginario, del autor, quien se dedicó también a la naturaleza muerta, al paisaje y a la representación de animales dentro de una fórmula más próxima al impresionismo. La observación de la realidad, necesaria para la realización de dicho tipo de pinturas, fue –según afirmaba el propio Redon- la base sobre la que se cimentó su fantasía. Al igual que Degas, el artista consideró que la técnica del pastel se adaptaba perfectamente a sus necesidades expresivas, por ofrecer una posibilidad de mancha difuminada superior a la del óleo. Sin embargo, Redon no utilizó el procedimiento para conseguir efectos de luz y modelado, sino que lo aplicó con un criterio decorativo a la composición de superficies de colores planos, de contornos a menudo fundentes, opuestas con un elegante sentido del valor de los tonos complementarios.

jueves, 20 de octubre de 2011

La cocinera / Pieter Aertsen

Reales museos de Bruselas
Pieter Aertsen
Una mujer robusta y arrogante se dispone a preparar una gran comida. Ya ha ensartado un ave, una pierna de res y otra pieza, que puede ser un cochinillo, en el espetón de hierro, mientras dispone también las verduras que han de acompañar a esos manjares. El lugar donde se prepara el banquete tiene aspecto señorial. La estampa, de un gozoso epicureísmo que ahora se atreve a introducirse en el arte, es una exaltación de la buena vida y del placer cotidiano.
Pictóricamente la obra significa un decidido avance hacia la representación de volúmenes y de calidades. También hacia una composición libre y asimétrica, que aquí se resuelve trazando dos líneas oblicuas dominantes que se cruzan en un aspa de brazos muy desiguales.

La justicia de Otón / Thierry Bouts

La ejecución del inocente 

La prueba del fuego
Reales museos de Bruselas


Thierry Bouts
Las dos tablas son episodios de una historia ejemplar y moralizante, de carácter profano, aunque tratados con el mismo concepto de las historias sacras, hasta el punto de que podrían parecer escenas de martirio. El tema se refiere a la justicia ejercida por el emperador Otón, según un relato tradicional. La esposa de Otón, valiéndose de calumnias, indujo a éste a que ordenara ajusticiar a un noble de su corte y esto es lo que representa la tabla La ejecución del inocente, en la que se ve al caballero conducido al suplicio con una túnica blanca y, en primer término, ya decapitado; Otón y la emperatriz contemplan la cruel escena desde la tapia del jardín junto a su castillo. En la segunda tabla, la esposa de la víctima, con la cabeza cortada en su mano derecha, denuncia la injusticia y para demostrarla se somete a las ordalías, en este caso La prueba del fuego –así se titula la tabla-, tomando con la mano izquierda, sin quemarse, un hierro al rojo que acaba de ser calentado en el braserillo rectangular que se ve en el suelo. Como consecuencia de tan portentosa prueba, el emperador ordena dar muerte a su propia esposa, que aparece en el fondo del cuadro, atada al poste y a punto de ser quemada viva, sobre un montículo en las afueras de la ciudad, cuyas altas torres cierran el paisaje.

Madonna con el Niño y san Francisco de Asís / Carlo Crivelli

Reales museos de Bruselas

Carlo Crivelli
Formaron parte del retablo de Montefiore delle Marche, en el que la composición principal es la Virgen, al pie de cuyo trono figura la firma “Carolus Crivellus Venetus pinsit”, y que debió ser ejecutada hacía el año 1470.
Llama la atención el hieratismo de las figuras, que llenan todo el espacio sin dejar sitio para cualquier alusión al entorno, excepto el sencillo elemento arquitectónico. Podrá observarse también el primor detallista con que las pinturas están ejecutadas y la sutileza del impecable diseño. Son cualidades que la Venecia de Crivelli heredaba aún de la tradición bizantina, del arte de los iconos. Pero frente a esas características hay que señalar un sentido de observación, una ternura de sentimiento que nos trasladan a la época y al ambiente de la Italia renacentista.

martes, 18 de octubre de 2011

El hombre de la flecha - Man of the arrow - Roger Van der Weyden

El hombre de la flecha - Man of the arrow - Roger Van der Weyden - Reales museos de Bruselas. Mucho se ha especulado para establecer la identidad del modelo, en una búsqueda que se limita a un reducido número de caballeros, puesto que la insignia del Toisón de oro en torno a su cuello y la juventud que reflejan sus facciones reducen las posibilidades a quien hubiera obtenido la preciada condecoración en su mocedad. Se ha propuesto el nombre de Antonio de Borgoña, hijo natural del duque Felipe el Bueno, y el de Jacques de Lalaing. La critica actual se inclina más bien a ver en él a Juan de Coimbra, príncipe portugués, sobrino del duque Felipe y educado en la corte de éste. En efecto, Juan de Coimbra ingresó en la orden del Toisón de oro a los 23 años y murió a los 25, en 1458. Hasta las facciones del sujeto y el sentimiento melancólico que reflejan parecen concertar con su origen portugués. La flecha en la mano podría parecer una alusión a su trágico destino, lo que haría pensar en un retrato póstumo. Pero la certera observación de que hace gala el pintor en esta apasionante efigie no permite suponer sino que tenía delante al modelo vivo para poder captar toda la intensidad vital que emana de su rostro.
Reales museos de Bruselas
1461
38,4 x 28 cm. Óleo sobre madera de roble

Roger Van der Weyden
Mucho se ha especulado para establecer la identidad del modelo, en una búsqueda que se limita a un reducido número de caballeros, puesto que la insignia del Toisón de oro en torno a su cuello y la juventud que reflejan sus facciones reducen las posibilidades a quien hubiera obtenido la preciada condecoración en su mocedad. Se ha propuesto el nombre de Antonio de Borgoña, hijo natural del duque Felipe el Bueno, y el de Jacques de Lalaing. La critica actual se inclina más bien a ver en él a Juan de Coimbra, príncipe portugués, sobrino del duque Felipe y educado en la corte de éste. En efecto, Juan de Coimbra ingresó en la orden del Toisón de oro a los 23 años y murió a los 25, en 1458. Hasta las facciones del sujeto y el sentimiento melancólico que reflejan parecen concertar con su origen portugués. La flecha en la mano podría parecer una alusión a su trágico destino, lo que haría pensar en un retrato póstumo. Pero la certera observación de que hace gala el pintor en esta apasionante efigie no permite suponer sino que tenía delante al modelo vivo para poder captar toda la intensidad vital que emana de su rostro.


Obras de:
Roger Van der Weyden
Adoración de los reyes Adoración del Niño Jesús del retablo de MiddelburgDegollación de san Juan Bautista del retablo de Miraflores
El Descendimiento El hombre de la flechaLa Piedad
La Virgen con el Niño, coronada por un ángel Magdalena del tríptico BraquePiedad
Piedad con un donante y santos Retrato de Carlos el TemerarioTríptico de la Crucifixión
Virgen de la leche


Camino del Calvario / Pedro Pablo Rubens


Pedro Pablo Rubens
De dimensiones gigantescas, con más de cinco metros y medio de altura, es un cuadro de altar pintado para la abadía de Afflighem, cerca de Bruselas. Fue ejecutado en los años inmediatamente anteriores a la muerte del artista en 1640, es decir, cuando Rubens era sesentón, lo que hace sorprendente la magnitud del empeño, sobre todo teniendo en cuenta que desde 1635 padecía fuertes dolores reumáticos en la mano derecha. Aun suponiendo que en una obra de estas dimensiones participaran los ayudantes del taller, la inconfundible calidad del maestro asegura su intervención personal y predominante en la obra, con un esfuerzo heroico. En este lienzo de su definitiva madurez se conjugan todos los elementos de la nueva y grandiosa iconografía creada por él y llevada a sus últimas consecuencias de dinamismo y de exaltación de las formas. El movimiento ascendente de la composición sugiere la gloria del Calvario. El aparente torbellino de figuras está perfectamente ordenado, con una sabia gradación de efectos dramáticos, con su centro en la caída de Cristo bajo el peso de la cruz, ante la Verónica, que le enjuga el rostro, la desolación de la Virgen y san Juan, el esfuerzo del Cirineo y la resistencia de los dos ladrones empujados por los soldados. Rubens fue capaz de condensar todos los episodios evangélicos de la vía dolorosa, con una imaginería nueva, dentro de la más estricta tradición iconográfica, por ejemplo, en detalles como el de hacer pelirrojo al mal ladrón igual que los pintores medievales.

Calvario / El Bosco


El Bosco
No es éste un Calvario al estilo tradicional, sino una composición votiva cuyo protagonista resulta ser el donante que, arrodillado al pie de la cruz, espera con rostro angustiado su destino. San Pedro, su patrón, lo presenta ante el Crucificado, mientras la Virgen y san Juan, al lado opuesto, hablan entre sí como intercediendo a favor del hombre. ¿Es una versión original del juicio particular después de la muerte y por eso el rostro del hombre tiene aspecto cadavérico? La calavera y los huesos desparramados, así como la presencia de los cuervos, acentúan esta impresión.
La independencia del Bosco se manifiesta en el planteamiento de la escena, que prescinde de la simetría tradicional. Lo que le interesa y logra en este caso es una expresión de hondos sentimientos, en los que denominan la piedad y la esperanza. Tras las figuras queda la limpidez del aire sobre un anchuroso paisaje que se dilata hasta la silueta flamenca de la lejana ciudad.

viernes, 14 de octubre de 2011

La toilette / Mary Cassatt

Art Institute de Chicago

Mary Cassatt
La composición de este cuadro recuerda la de obras de Degas por el hecho de haber adoptado la pintora un punto de vista alto, dominando las figuras de la mujer y de la niña sentada en su regazo. Ello crea en el espectador el sentimiento de contemplar la prosaica escena sin formar parte de ella, es decir, desde un punto de observación exterior al espacio pictórico. Los términos del cuadro se hallan delimitados por una gran jarra de loza y la cómoda policromada que aparece al fondo. Ambos objetos constituyen la referencia para comprender las reducidas dimensiones del ámbito doméstico.

La última Cena / Maestro de Amiens

Art Institute de Chicago

Maestro de Amiens
El conjunto se componía originalmente de cuatro alas movibles, pintadas por ambos lados; en el interior se representaron los episodios de La última Cena, la Ascensión, la Pentecostés y la Resurrección, composición ésta que en la actualidad pertenece al museo del Ermitage, mientras que en el exterior se inscribieron las imágenes de San Honorato, la Virgen con el Niño, San Hugo de Lincoln y San Juan Bautista, todas ellas en el museo de Chicago. La expresividad de los rostros, que en ocasiones rozan lo caricaturesco, es propia de las influencias flamencas, mientras que el gusto por el detalle, la preocupación por rendir las calidades de los objetos y por transcribir el paisaje externo responde a los estímulos de la influencia de los países bajos.

Lirios junto al estanque / Claude Monet

Art Institute de Chicago

Claude Monet
Los habituales nenúfares de Monet han sido sustituidos por la masa violácea de los lirios cuyo reflejo en el agua crea extraordinarios toques de azul. En la parte superior aparece la orilla del estanque, en la que de modo abstracto se combinan el pardo de la tierra y los verdes de la vegetación. A una distancia próxima, la composición pierde todo sentido figurativo y se presenta al espectador como un conglomerado de pinceladas yuxtapuestas. Ello demuestra, en suma, que Monet había alcanzado el punto final de su experimentación, logrado la forma más depurada de naturalismo, es decir, la captación de las ilusiones ópticas.

martes, 11 de octubre de 2011

Juego de croquet / Croquet Scene / Winslow Homer


Winslow Homer
El juego de croquet se desarrolla en el marco de un parque que tiene por fondo la masa frondosa del follaje. Un caballero arrodillado facilita gentilmente la jugada que se apresta a iniciar una dama. Otras dos figuras femeninas completan el cuadro. Su atmósfera se halla determinada por la clara luz solar que lo inunda, describiendo de modo diáfano la elegante indumentaria de los personajes. Homer ha creado convincentemente el efecto de aire libre y conseguido describir con veracidad los diferentes planos del escenario. El espectador se siente, en suma, ganado por la frescura de la escena, en la que se siente la presencia de una atmósfera ligera y envolvente.

Encuentro de san Erasmo y san Mauricio / Meeting of St Erasm and St Maurice / Matthias Grünewald

Alte Pinakothek de Munich

Matthias Grünewald
En la pintura sobre tabla, san Erasmo y san Mauricio dialogan ante un grupo de guerreros y prelados, sugerido tan sólo por unas pocas figuras. El segundo de éstos ha sido caracterizado como un individuo de la raza negra y aparece vestido con armadura, llevando un gran mandoble al cinto. San Erasmo, por su parte, puede suponerse que represente al encargante de la obra, Albrecht von Brandenburg. Ambos personajes poseen una monumental simplicidad que los hermana en el diálogo.

En la barca / On the Water / Mary Cassatt

Art Institute de Chicago

Mary Cassatt
El carácter inacabado del cuadro revela, en primer lugar, las dudas de la artista, quien no se sintió satisfecha de la formula compositiva o tal vez pensó no poder resolver convincentemente una escena instantánea que había previamente plasmado en una rápida nota a lápiz. En segundo término este óleo permite analizar la técnica utilizada por su autora. Sobre la imprimación de color blanco dispuso una ligera capa de tonalidad grisácea con la que juegan las diversas gamas de azules y verdes destinadas a rendir la impresión óptica de la superficie del agua. Las figuras fueron contorneadas a pincel con un grueso trazo rojizo y su perfil aureolado por una amplia zona de gris que, una vez terminado el cuadro, hubiese contribuido con sus transparencias a realizar su fusión con la atmosfera circundante. En la mancha apenas iniciada de los vestidos se aprecia ya una idea definida de modelado, mientras que los toques de blanco sobre el agua y en torno a la barca indican el propósito de transcribir los reflejos del celaje.

lunes, 3 de octubre de 2011

Después de la lluvia / After a Summer Shower / George Inness

Art Institute de Chicago

George Inness
La composición adopta un horizonte muy alto concentrando la atención del espectador en un amplio primer término de pradera con árboles en el que aparecen varias ovejas. El cielo y la tierra se funden en una línea imprecisa, sólo interrumpida por las masas arbóreas y los tejados de las casas situadas al fondo. El pintor ha transcrito con gran sensibilidad el fenómeno de la evaporación de la lluvia al brillar de nuevo el sol tras el chubasco. Un retazo de arco iris sirve para explicar inteligiblemente el momento atmosférico. La obra presenta una sucesión de términos claramente valorada por los cambios de luz. La pradera se halla en sombra, velada por un jirón de nube, mientras que tras los árboles y en la zona de las casas apunta tímidamente la luz solar. El conjunto posee un frescor y una vehemencia cromática que convienen perfectamente a la situación atmosférica descrita.

El filosofo / Philosopher / Édouard Manet

Art Institute de Chicago

Édouard Manet
Sobre un fondo oscurecido por pesadas sombras ha dispuesto el artista la figura de un hombre de aspecto raído. Viste pantalones holgados, una capa azul deshilachada y un sombrero verde; su rostro queda enmarcado por una barba grisácea y cejas espesas que subrayan su penetrante mirada. La composición y el tratamiento del tema evocan la pintura española del siglo XVII y, en particular, el Menipo de Velázquez, que es indudablemente la fuente de inspiración directa de esta obra. Manet consigue actualizar de una forma personal el realismo barroco. Su modelo ha sido analizado con ánimo de penetración sicológica y descrito en su individualidad corpórea; ambos propósitos revelan asimismo el influjo de Goya. Al igual que los retratos de este artista y que el citado lienzo velazqueño, produce la inequívoca impresión de la realización en estudio y revela el desinterés de su autor por toda veleidad imaginativa. Su técnica evidencia la facilidad de Manet para construir las formas sin titubeos, sirviéndose de pinceladas amplias y pastosas que permiten la fusión de los colores.

El estanque / The Mill Pond / George Inness

Art Institute de Chicago

George Inness
La composición carece apenas de indicaciones espaciales: un primer término herboso con el tronco plateado de un árbol caído, la superficie del estanque por la que se desliza una pequeña embarcación y, al fondo, la apenas perceptible silueta de un viejo molino. Dominado por la mancha rojiza del gran árbol, este paisaje constituye un ejercicio de armonización de cinco gamas cromáticas, el verde de la pradera y de la vegetación del fondo, el amarillo otoñal y el toque ígneo del follaje, y el azul y blanco del cielo. Los colores se hallan aplicados en grandes manchas difusas, de contornos imprecisos y, por ello, dotadas de un gran poder de interacción. El cuadro posee un valor atmosférico y temporal, puesto que establece tanto las circunstancias climáticas y luminosas del día, como las del periodo del año que representa.
Se advierte el procedimiento utilizado por el pintor de dotar al lienzo de una capa de imprimación de tono tostado, visible en las zonas no cubiertas por la irregular pincelada. Juega Inness con los valores expresivos de la preparación monocroma, contrastando con ellos intensos toques de color, empastados tan sólo con la punta del pincel. Ello crea el efecto de vibración cromática adecuado a la representación del follaje aislado en el espacio. La figura del niño que boga en el estanque ha sido realizada con trazos nerviosos que esbozan su perfil en forma imprecisa.

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