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jueves, 22 de agosto de 2013

El torso de yeso / Henri Matisse

Museo de Sao Paulo

Henri Matisse

El lienzo evidencia un deseo de simplificación de la forma que combina el gusto por la línea y el arabesco con los motivos abstractos. Se trata, en definitiva, de una reacción contra la mera copia de la realidad y de un intento de poner en valor los distintos elementos que configuran su transcripción pictórica: línea, color y composición. No aspira Matisse a crear o plasmar atmósferas, a describir los volúmenes y la entidad de los objetos, sino a explotar de forma muy intelectualizada los ingredientes de una imagen.

El pintor y la modelo / José Malhoa

Museo de Sao Paulo

José Malhoa

El tema y composición revela la veneración por una escuela parisina tradicional, enraizada en la pintura de historia, en la que el artista se convierte en protagonista, revestido de los atributos de una dorada bohemia.

lunes, 19 de agosto de 2013

El escolar - The school - Vincent Van Gogh

El escolar - The school - Vincent Van Gogh -  Museo de Sao Paulo. Magnífico retrato en el que se proyecta la extraña capacidad expresiva del autor. La efigie del niño, en medio cuerpo y sentado de lado en una silla, se recorta sobre un fondo de agrio color naranja. Los tonos ocres, amarillentos y verdosos del rostro, descrito en tres cuartos de perfil, enfatizan una fisonomía vacua de sentimientos en la que tal vez ha proyectado Van Gogh elementos de su propia personalidad. El personaje se identifica con el joven Camille Roulin.
Museo de Sao Paulo
1888
63 x 54 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh
Magnífico retrato en el que se proyecta la extraña capacidad expresiva del autor. La efigie del niño, en medio cuerpo y sentado de lado en una silla, se recorta sobre un fondo de agrio color naranja. Los tonos ocres, amarillentos y verdosos del rostro, descrito en tres cuartos de perfil, enfatizan una fisonomía vacua de sentimientos en la que tal vez ha proyectado Van Gogh elementos de su propia personalidad. El personaje se identifica con el joven Camille Roulin.


Obras de:
Vincent Van Gogh
AutorretratoAutorretratoAutorretrato con la oreja cortada
Borrachos Café por la noche, Place Lamartine, Arles Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville Ciprés con cielo estrellado Dos girasoles
El escolar El niño de los Roulin El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros GirasolesJaponería: Oiran
Jarrón con girasolesJarrón con malvaviscosLa Arlesiana
La Casa AmarillaLa habitación de Van Gogh en ArlesLa iglesia de Auvers
La ItalianaLa Mousmé sentadaLa siesta
La silla de GauguinLa silla del pintorLa terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanasLos comedores de patatasMlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbónNaturaleza muerta con Biblia y candelabroNaturaleza muerta con lirios
Noche estrelladaPaisaje al atardecerPaseo en el crepúsculo
Prado con mariposasRetrato de Joseph RoulinRetrato de la señora Roulin
Retrato de MillietRetrato de Pére Tanguy Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor ReyRetrato del pintor BochRonda de prisioneros
Sauces a la puesta de solSembrador a la puesta de solTejedores en el telar
Trigo verdeUn par de zapatos


El duque de Berry y el conde de Provenza, niños / François-Hubert Drouais

Museo de Sao Paulo

François-Hubert Drouais

Las figuras infantiles aparecen ante un fondo de vegetación –sin duda un jardín- en el que se inserta un gran jarrón de piedra del que brota un rosal florido; el muro de verdor se rompe a la izquierda, permitiendo divisar un lejano paisaje de árboles bajo un celaje tranquilo. Ambas visten trajes de costosas telas, ornados con profusión de cintas y encaje, tal y como requiere su cuna; Una de ellas sostiene un canastillo con frutas y la otra el collar del perrillo que las acompaña. La minuciosa descripción de las indumentarias, del bodegón de frutas y del perrito responde al propósito de engastar los rostros en un estuche suntuoso. La calidad de madreperla que el pintor ha conferido a las fisonomías infantiles despersonaliza sus rasgos en aras de la idealización, exigida sin duda por el distinguido cliente.

Desnudo / Eliseu Visconti

Desnudo / Eliseu Visconti, Museo de Sao Paulo, Museu de Arte de Sao Paulo. hallamos una devoción realista que tiene sus orígenes en Courbet. El pintor, nacido en Italia, muestra una personalidad ecléctica y erudita en la que confluyen las enseñanzas academicistas, servidas por una técnica efectista y abocetada, muy a la manera de los virtuosos a la moda en las postrimerías del siglo XIX. Cristo, modern art, contemporary art, Cuadros, Madrid, Art gallery, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas universales, Museos importantes, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, Italia, París, Londres, Renacimiento, Barroco, Impresionismo, New York, Florencia, Moscú, Museo del Arte.
Museo de Sao Paulo
1895
165 x 89 cm. Óleo sobre lienzo

Eliseu Visconti
En Eliseu Visconti hallamos una devoción realista que tiene sus orígenes en Courbet. El pintor, nacido en Italia, muestra una personalidad ecléctica y erudita en la que confluyen las enseñanzas academicistas, servidas por una técnica efectista y abocetada, muy a la manera de los virtuosos a la moda en las postrimerías del siglo XIX.

miércoles, 14 de agosto de 2013

La catedral de Salisbury desde los jardines del obispado / John Constable

Museo de Sao Paulo

John Constable

Un primer plano poblado por árboles frondosos que originan una teatral embocadura umbría sirve de referencia al edificio catedralicio que aparece en la lejanía, iluminado por la luz solar. Este primer término se halla poblado por diminutas figuras humanas y cabezas de ganado vacuno que pastan junto a la charca nacida en la pradera. El paisaje cifra sus efectos expresivos en los rompimientos de luces y la alternancia de espacios abiertos y planos herméticos.

La primavera / Eugéne Delacroix

Museo de Sao Paulo

Eugéne Delacroix

El lienzo permite analizar la técnica de que se sirvió el maestro romántico para materializar un opulento sentimiento de tradición barroca, en el que concurren dosis de clasicismo y el gusto por lo literario y lo exótico. Se advierte, en primer lugar, la utilización de toques de color aislados que producen en el conjunto un efecto vibrante y agitado. En segundo término, la materia pictórica adquiere grosor y rugosidad sobre el lienzo, de modo que la huella de la pincelada constituye en sí misma un recurso expresivo; de este descubrimiento habría de beneficiarse el impresionismo.

Playa de Icaraí / Nicola Antonio Facchinetti

Museo de Sao Paulo

Nicola Antonio Facchinetti

El lienzo corresponde a una tendencia de paisajismo que cabría calificar de colonial, la cual denota una preocupación por la fiel transcripción del paraje elegido o su embellecimiento con tintas románticas. Cuadro, en suma, que se halla en la línea de las ilustraciones realizadas por numerosos artistas viajeros decimonónicos.

domingo, 11 de agosto de 2013

El artista / Édouard Manet

Museo de Sao Paulo

Édouard Manet

Autorretrato en el que la figura se recorta ante un fondo en sombra, iluminada por un reflejo que valora, asimismo, al perro que se halla tras ella. El método, la técnica queda relegada al mero papel de instrumento al servicio de un intenso sentimiento realista, es poco convencional y su formulación pictórica ciertamente revolucionaria; por ello el cuadro, pintado en 1875, fue rechazado al ser presentado al Salón de París al año siguiente. Tal suceso se repitió en varias ocasiones y tiene, sobre la anécdota, el valor de demostrar la posición de los jueces de la pintura oficial de la época ante una tendencia realista cuya libertad de lenguaje pareció entonces ofensiva.

El canapé - The divan - Henri de Toulouse-Lautrec

El canapé - The divan - Henri de Toulouse-Lautrec - Museo de Sao Paulo. El pastel y el óleo fue para Toulouse-Lautrec un medio habitual de expresión, el cual le permitía reflejar los caracteres humanos de la fauna que poblaba la noche parisina en las postrimerías del siglo, hallamos esta preocupación por la descripción de unos tipos que se ofrecían al examen del pintor tan sólo por unos instantes, tipos que debían ser memorizados para su plasmación en la obra. El autor se enfrasca en definitiva en una crónica apresurada –construida casi siempre con parquedad de trazos- en la que aparecen unidas diversas clases sociales, la burguesía y la picaresca parisina. En la utilización del color demuestra el artista un procedimiento rápido y económico.
Museo de Sao Paulo
1893
54 x 69 cm. Óleo sobre cartón

Henri de Toulouse-Lautrec
El pastel y el óleo fue para Toulouse-Lautrec un medio habitual de expresión, el cual le permitía reflejar los caracteres humanos de la fauna que poblaba la noche parisina en las postrimerías del siglo, hallamos esta preocupación por la descripción de unos tipos que se ofrecían al examen del pintor tan sólo por unos instantes, tipos que debían ser memorizados para su plasmación en la obra. El autor se enfrasca en definitiva en una crónica apresurada –construida casi siempre con parquedad de trazos- en la que aparecen unidas diversas clases sociales, la burguesía y la picaresca parisina. En la utilización del color demuestra el artista un procedimiento rápido y económico.


Obras de:
Henri de Toulouse-Lautrec
Danza de la Goulue y Valentin-le-Désossé Danza moriscaEl almirante Viaud
El canapé En el circo FernandoEn el Moulin Rouge
Jane Avril bailando La camaLa clownesa Cha-U-Kao
La Goulue en el Moulin Rouge La mujer del boa negroMujeres bailando en el Moulin Rouge


El castillo de Carnarvon - Caernarfon Castle - Joseph Mallord William Turner

El castillo de Carnarvon - Caernarfon Castle - Joseph Mallord William Turner - Museo de Sao Paulo. El cuadro corresponde a la etapa de madurez del artista y pone de manifiesto su interés prioritario por la expresión del espacio atmosférico en una dimensión personal, ilustrada por efectos luminosos de peculiar gravidez colorista. Al observar la abstracción y dramatización de los fenómenos que se producen en este paisaje, debe tenerse en cuenta que la carrera de Turner se inició como dibujante topográfico y perspectivo, es decir, en un género  artístico respecto al cual su producción posterior supone una violenta reacción. Pero, por encima de ello, prevalece en el cuadro un hondo sentimiento romántico que lleva a simbolizar las fuerzas de la naturaleza en trágicas masas de color agresivo y deslavazado.
Museo de Sao Paulo
1830
96 x 140 cm. Óleo sobre lienzo

Joseph Mallord William Turner
El cuadro corresponde a la etapa de madurez del artista y pone de manifiesto su interés prioritario por la expresión del espacio atmosférico en una dimensión personal, ilustrada por efectos luminosos de peculiar gravidez colorista. Al observar la abstracción y dramatización de los fenómenos que se producen en este paisaje, debe tenerse en cuenta que la carrera de Turner se inició como dibujante topográfico y perspectivo, es decir, en un género artístico respecto al cual su producción posterior supone una violenta reacción. Pero, por encima de ello, prevalece en el cuadro un hondo sentimiento romántico que lleva a simbolizar las fuerzas de la naturaleza en trágicas masas de color agresivo y deslavazado.


Obras de:
Joseph Mallord William Turner
Agripina llega con las cenizas de Germánico Aníbal y su ejército cruzan los AlpesCerca de Venecia
Dido construye Cartago El castillo de CarnarvonEl Gran Canal de Venecia
El muelle viejo de Brighton El Temerario remolcado al dique secoLa batalla de Trafalgar, vista de los obenques del palo de mesana a estribor del Victory
La escollera de Calais La guerra. El exiliado y la lapaLa paz. Funerales en el mar
La travesía del arroyo Lluvia, vapor y velocidadNegreros arrojando por la borda a muertos moribundos. Llega un tifón
Pescadores en el mar RéguloRichmond Hill en el cumpleaños del Príncipe Regente
Tempestad de nieve Tormenta de nieve en el valle de AostaUlises se burla de Polifemo


miércoles, 7 de agosto de 2013

El almirante Viaud - The Admiral Viaud - Henri de Toulouse-Lautrec

El almirante Viaud - The Admiral Viaud - Henri de Toulouse-Lautrec - Museo de Sao Paulo. El autor se enfrasca en una crónica apresurada –construida casi siempre con parquedad de trazos- en la que aparecen unidas diversas clases sociales, la burguesía y la picaresca parisina. En la utilización del color demuestra el artista un procedimiento rápido y económico. Este retrato está compuesto por pinceladas diluidas en un medio muy líquido, de modo que el tono del cartón que constituye el soporte de la obra se suma a los de la paleta pictórica. Aún en este caso prevalece la técnica del dibujante.
Museo de Sao Paulo
1901
139 x 153 cm. Óleo sobre lienzo

Henri de Toulouse-Lautrec
El autor se enfrasca en una crónica apresurada –construida casi siempre con parquedad de trazos- en la que aparecen unidas diversas clases sociales, la burguesía y la picaresca parisina. En la utilización del color demuestra el artista un procedimiento rápido y económico. Este retrato está compuesto por pinceladas diluidas en un medio muy líquido, de modo que el tono del cartón que constituye el soporte de la obra se suma a los de la paleta pictórica. Aún en este caso prevalece la técnica del dibujante.


Obras de:
Henri de Toulouse-Lautrec
Danza de la Goulue y Valentin-le-Désossé Danza moriscaEl almirante Viaud
El canapé En el circo FernandoEn el Moulin Rouge
Jane Avril bailando La camaLa clownesa Cha-U-Kao
La Goulue en el Moulin Rouge La mujer del boa negroMujeres bailando en el Moulin Rouge


Dos cabezas / Honoré Daumier

Museo de Sao Paulo

Honoré Daumier
Daumier fue el creador de toda una serie de tipos que simbolizan las flaquezas de la especie humana, su absurdo egoísmo y ridículo comportamiento. El interés por la sátira, es decir, por el contenido alegórico de las representaciones, lleva al pintor a despreciar los valores plásticos admirados en la época que le tocó vivir. Como se aprecia en este lienzo, la perfección formal o el sentimiento poético no entran dentro de los objetivos que se ha propuesto alcanzar el autor. Su despreocupación técnica y la violencia de ejecución de que hacen gala sus cuadros recuerdan en ocasiones la manera goyesca.

Angélica encadenada / Jean-Dominique Ingres

Museo de Sao Paulo

Jean-Dominique Ingres
Ingres presenta a la heroína de la obra de Ariosto, con ambas manos unidas por una gruesa argolla de hierro, junto a un escualo de feroz aspecto. Pero el tema no es más que un pretexto para que el pintor se enfrasque en la obtención de unas calidades mórbidas en el desnudo femenino, por medio de un claroscuro difuminado y virtuoso. El aspecto convincente del estudio anatómico queda anulado, sin embargo, por la insipidez del contenido y la vaciedad de expresión en el rostro de la figura; a pesar del esfuerzo compositivo, el cuadro revela una falta de imaginación que es endémica en la producción de Ingres, autor al que hay que contemplar como extraordinario dibujante.

lunes, 5 de agosto de 2013

Bañista secándose la pierna / Pierre-Auguste Renoir

Museo de Sao Paulo

Pierre-Auguste Renoir
La composición es una mancha nacarada sin concreción formal, en la que la luz y el color se hallan indisolublemente unidos. Tal ejercicio de síntesis corresponde a una etapa de madurez total; al pintar este cuadro en 1905, Renoir se hallaba aquejado de grave artrosis reumática y sus manos carecían de agilidad de movimientos. Con todo, la bañista –retrato de Gabrielle, una prima lejana de la esposa del pintor- constituye un ejemplo del poder de superación del artista que vence sus limitaciones humanas, gracias al dominio de los conceptos plásticos.

Anunciación / El Greco

Museo de Sao Paulo

El Greco
Las figuras de la Virgen y el ángel aparecen en un medio inconcreto y dramático. Éste sobre un rompimiento de nube, con las alas extendidas sobre un fondo impenetrable en el que se recorta, entre jirones de niebla, el Espíritu Santo. María, sorprendida durante la lectura, tiene a sus pies un canastillo con ropa y junto a él un jarro con flores. La escena recibe una iluminación cenital que encuentra su camino a través de la oscuridad circundante y resbala con matices satinados sobre el rostro y la indumentaria marianos; el ángel parece visible a costa de la claridad que refleja la figura principal. Los ropajes y los elementos nubosos denotan una técnica pictórica que es exclusiva del Greco, compuesta por amplias pinceladas de libertad y violencia inconfundibles. Este instrumento sirve para construir un conjunto determinado por conceptos de hondo misticismo y cuyo propósito último es el de transmitir una emoción de raíz espiritual.

Dido construye Cartago - Dido building Carthage, or The Rise of the Carthaginian Empire - Joseph Mallord William Turner

Dido construye Cartago - Dido building Carthage, or The Rise of the Carthaginian Empire - Joseph Mallord William Turner - National Gallery, Londres. Dido, reina de Tiro, huye cuando su hermano, Pigmalión, asume el poder. Así que llega a las costas africanas con sus acompañantes, pide a los indígenas “tanta tierra como pueda contener la piel de un buey”. Tras recibir una respuesta afirmativa, Dido hace cortar la piel del animal en tiras muy estrechas con las que rodea una superficie suficiente para levantar una ciudad. A Turner no le atrae tanto el mito como la atmósfera y, por supuesto, la luz que baña los espacios abiertos. Para él este cuadro era una de sus obras maestras. Tras negarse a venderlo, lo donó en su testamento al Estado.
National Gallery, Londres
1815
155,5 x 232 cm. Óleo sobre lienzo

Joseph Mallord William Turner
Dido, reina de Tiro, huye cuando su hermano, Pigmalión, asume el poder. Así que llega a las costas africanas con sus acompañantes, pide a los indígenas “tanta tierra como pueda contener la piel de un buey”. Tras recibir una respuesta afirmativa, Dido hace cortar la piel del animal en tiras muy estrechas con las que rodea una superficie suficiente para levantar una ciudad. A Turner no le atrae tanto el mito como la atmósfera y, por supuesto, la luz que baña los espacios abiertos. Para él este cuadro era una de sus obras maestras. Tras negarse a venderlo, lo donó en su testamento al Estado.


Obras de:
Joseph Mallord William Turner
Agripina llega con las cenizas de Germánico Aníbal y su ejército cruzan los AlpesCerca de Venecia
Dido construye Cartago El castillo de CarnarvonEl Gran Canal de Venecia
El muelle viejo de Brighton El Temerario remolcado al dique secoLa batalla de Trafalgar, vista de los obenques del palo de mesana a estribor del Victory
La escollera de Calais La guerra. El exiliado y la lapaLa paz. Funerales en el mar
La travesía del arroyo Lluvia, vapor y velocidadNegreros arrojando por la borda a muertos moribundos. Llega un tifón
Pescadores en el mar RéguloRichmond Hill en el cumpleaños del Príncipe Regente
Tempestad de nieve Tormenta de nieve en el valle de AostaUlises se burla de Polifemo


domingo, 4 de agosto de 2013

Virgen con el Niño junto a la chimenea / Robert Campin

Museo del Ermitage, San Petersburgo

Robert Campin
La escena doméstica, en la que María cuida amorosamente de su hijo, está plasmada con gran realismo. Se advierten influencias del estilo de Rogier van der Weyden y de Jan van Eyck. Campin reproduce los detalles con cierta tosquedad y el movimiento con algo de rigidez, pero la composición y la caracterización resultan muy convincentes. Esta tabla es el lateral izquierdo de un díptico, cuya pareja representa a la Santísima Trinidad.

viernes, 2 de agosto de 2013

Tejedores en el telar - Weavers at the loom - Vincent Van Gogh

Tejedores en el telar - Weavers at the loom - Vincent Van Gogh -  Kröller-Müller Museum, Otterlo. Tras una época en La Haya, donde había representado la pobre vida de los obreros y la miseria de los suburbios en los que vivían, se trasladó a Nuenen, a casa de sus padres, y empezó a dedicarse asiduamente a las figuras de campesinos y precisamente de tejedores. En una carta a su hermano expresó la fascinación que experimentaba al ver su trabajo: "Estos telares [...] son cosas espléndidas, toda esa madera de encina ante un muro grisáceo [...] Los he visto tejer por la tarde a la luz de una lámpara, que crea unos efectos que recuerdan a Rembrandt". Aunque el lienzo que nos ocupa esté iluminado por la luz del día, se percibe que se ha tenido presente al gran pintor holandés del siglo XVII en el acorde cromático de amarillo y marrón y en los efectos de sombra que se insinúan en las diferentes partes de la maquinaria. Esta no posee, en la visión de Vincent, el acostumbrado valor negativo, de alienación en el trabajo. El artista ve, por el contrario, un significado positivo en el vínculo productivo entre hombre y máquina, mutuamente necesarios, hasta el punto de que el tejedor, relegado al fondo del cuadro, tiene un papel menor y el verdadero protagonista es el propio telar.
Kröller-Müller Museum, Otterlo
1884
64 x 80 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh  
Tras una época en La Haya, donde había representado la pobre vida de los obreros y la miseria de los suburbios en los que vivían, se trasladó a Nuenen, a casa de sus padres, y empezó a dedicarse asiduamente a las figuras de campesinos y precisamente de tejedores. 
En una carta a su hermano expresó la fascinación que experimentaba al ver su trabajo: "Estos telares [...] son cosas espléndidas, toda esa madera de encina ante un muro grisáceo [...] Los he visto tejer por la tarde a la luz de una lámpara, que crea unos efectos que recuerdan a Rembrandt". Aunque el lienzo que nos ocupa esté iluminado por la luz del día, se percibe que se ha tenido presente al gran pintor holandés del siglo XVII en el acorde cromático de amarillo y marrón y en los efectos de sombra que se insinúan en las diferentes partes de la maquinaria. Esta no posee, en la visión de Vincent, el acostumbrado valor negativo, de alienación en el trabajo. El artista ve, por el contrario, un significado positivo en el vínculo productivo entre hombre y máquina, mutuamente necesarios, hasta el punto de que el tejedor, relegado al fondo del cuadro, tiene un papel menor y el verdadero protagonista es el propio telar.


Obras de:
Vincent Van Gogh
AutorretratoAutorretratoAutorretrato con la oreja cortada
Borrachos Café por la noche, Place Lamartine, Arles Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville Ciprés con cielo estrellado Dos girasoles
El escolar El niño de los Roulin El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros GirasolesJaponería: Oiran
Jarrón con girasolesJarrón con malvaviscosLa Arlesiana
La Casa AmarillaLa habitación de Van Gogh en ArlesLa iglesia de Auvers
La ItalianaLa Mousmé sentadaLa siesta
La silla de GauguinLa silla del pintorLa terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanasLos comedores de patatasMlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbónNaturaleza muerta con Biblia y candelabroNaturaleza muerta con lirios
Noche estrelladaPaisaje al atardecerPaseo en el crepúsculo
Prado con mariposasRetrato de Joseph RoulinRetrato de la señora Roulin
Retrato de MillietRetrato de Pére Tanguy Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor ReyRetrato del pintor BochRonda de prisioneros
Sauces a la puesta de solSembrador a la puesta de solTejedores en el telar
Trigo verdeUn par de zapatos


Triunfo de Baco y Ariadna / Annibale Carracci

Palacio Farnesio, Roma

Annibale Carracci
Este fresco que decora el techo constituye el núcleo central de una serie de obras de gran tamaño cuyo tema es la fuerza del amor en los dioses olímpicos. Annibale Carracci, responsable de su ejecución, recupera en esta pintura una naturalidad ideal y aplica un nuevo concepto estético, esencial para la pintura barroca al fresco.

La batalla de Trafalgar, vista de los obenques del palo de mesana a estribor del Victory - The Battle of Trafalgar, as Seen from the Mizen Starboard Shrouds of the Victory - Joseph Mallord William Turner

La batalla de Trafalgar, vista de los obenques del palo de mesana a estribor del Victory - The Battle of Trafalgar, as Seen from the Mizen Starboard Shrouds of the Victory - Joseph Mallord William Turner - Tate Gallery, Londres. El cuerpo del almirante Nelson, muerto en los inicios de la célebre batalla naval del 21 de octubre de 1805 a la altura del cabo de Trafalgar, en la costa meridional española, fue llevado a Inglaterra a bordo del Victory: Turner, que asistió a la escena, realizó bocetos, interrogó a los marinos y tomó apuntes. Esta visión, más cinematográfica que panorámica, traduce maravillosamente el caos dramático del combate.
Tate Gallery, Londres
1808
171 x 239 cm. Óleo sobre lienzo

Joseph Mallord William Turner
El cuerpo del almirante Nelson, muerto en los inicios de la célebre batalla naval del 21 de octubre de 1805 a la altura del cabo de Trafalgar, en la costa meridional española, fue llevado a Inglaterra a bordo del Victory: Turner, que asistió a la escena, realizó bocetos, interrogó a los marinos y tomó apuntes. Esta visión, más cinematográfica que panorámica, traduce maravillosamente el caos dramático del combate.


Obras de:
Joseph Mallord William Turner
Agripina llega con las cenizas de Germánico Aníbal y su ejército cruzan los AlpesCerca de Venecia
Dido construye Cartago El castillo de CarnarvonEl Gran Canal de Venecia
El muelle viejo de Brighton El Temerario remolcado al dique secoLa batalla de Trafalgar, vista de los obenques del palo de mesana a estribor del Victory
La escollera de Calais La guerra. El exiliado y la lapaLa paz. Funerales en el mar
La travesía del arroyo Lluvia, vapor y velocidadNegreros arrojando por la borda a muertos moribundos. Llega un tifón
Pescadores en el mar RéguloRichmond Hill en el cumpleaños del Príncipe Regente
Tempestad de nieve Tormenta de nieve en el valle de AostaUlises se burla de Polifemo


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