Trafico de visitas

sábado, 30 de marzo de 2013

La mesa con conejo / Joan Miró

Colección particular

Joan Miró
Las líneas rectas, los ángulos, los planos cortados y las facetas del cubismo le sirven a Miró para plasmar la mesa huyendo de cualquier perspectiva, mientras nos presenta el conejo, el gallo, el pescado y las hortalizas de forma realista, pero planos, sin volumen. Sin embargo, el color de su paleta es mucho más exuberante que la austera gama empleada por los cubistas.

La raya / Jean-Baptiste Siméon Chardin

Museo del Louvre, París

Jean-Baptiste Siméon Chardin
Chardin fue admitido en la Academia con esta obra, en calidad de «pintor de animales y de fruta». Aunque en este cuadro se muestra todavía muy vinculado a la tradición holandesa, se ponen de manifiesto ya algunos rasgos propios del artista; por ejemplo, su capacidad para captar la materialidad de los objetos, los cuales, pese a la reproducción realista, tienen su propio valor estético. El equilibrio de la composición le permite crear una distancia entre el observador y el cuadro.

jueves, 28 de marzo de 2013

Natividad de María / Vittore Carpaccio

Academia Carrara, Bérgamo

Vittore Carpaccio
Con esta escena comienza el ciclo de seis cuadros basados en la vida de la Virgen María y realizados para la Scuola degli Albanesi. Carpaccio manifiesta su gran talento para representar episodios de la vida cotidiana, al reproducir con gran detalle la alcoba de una casa veneciana de su tiempo. La parturienta Ana descansa en la cama y recibe visitas, mientras una mujer le ofrece comida y otra prepara el baño para la recién nacida.

Los desposorios de la Virgen / Robert Campin

Museo del Prado, Madrid

Robert Campin
Ante un templo con elementos arquitectónicos romanos y hebreos, María es bendecida por un sacerdote y se desposa con José. Dentro del edificio, un sacerdote reza con los pretendientes rechazados por la Virgen. La tabla se caracteriza por los tonos claros, la expresividad de los rostros y la representación realista de las plantas y la arquitectura.

Las tres Marías en el sepulcro / Annibale Carracci

Museo del Ermitage, San Petersburgo

Annibale Carracci
Annibale Carracci representa este acontecimiento con una seriedad muy expresiva: un ángel anuncia la resurrección de Cristo a las mujeres. Ellas reaccionan con movimientos enérgicos y sus gestos ponen de manifiesto la fortaleza de sus cuerpos. La obra, pintada en Roma, se caracteriza por su monumentalidad formal y por un tratamiento pictórico lleno de significado.

miércoles, 27 de marzo de 2013

La pesadilla / Henry Fuseli

Goethemuseum, Freies Deutsches Hochstift, Frankfurt

Henry Fuseli
Füssli estaba fascinado por los grandes poetas, como Homero, Dante, Shakespeare y Milton, a quienes dedicó varios dibujos y pinturas. En sus obras el artista suizo dio expresión a la estética de lo sublime, es decir, a la representación de realidades terribles e inquietantes que atemorizan al espectador, dejándolo conmocionado y turbado en lo más hondo.

El martirio de santa Margarita / Ludovico Carracci

San Maurizio, Mantua

Ludovico Carracci
Esta obra maestra tardía se caracteriza por el perfecto equilibrio de todos los elementos que forman la composición, así como por su sencillez y su fuerza de convicción. Debido a la negativa a casarse con el prefecto de Antioquía y a abjurar de la fe, santa Margarita fue decapitada.

Descendimiento de la cruz / Angelo Bronzino

Museo de Bellas Artes, Besançon

Angelo Bronzino
Bronzino siguió el manierismo cortesano florentino incluso en sus trabajos religiosos. Este retablo, destinado al oratorio de Leonor de Toledo en el Palacio de la Signoria, fue entregado como regalo a Nicolas de Gravalle y permaneció en la capilla sepulcral de la iglesia de los carmelitas en Besançon hasta la Revolución Francesa.

lunes, 25 de marzo de 2013

La familia de Proudhon / Gustave Courbet

Musée du Petit Palais, París

Gustave Courbet
Courbet pintó este cuadro el mismo año de la muerte de Proudhon, en recuerdo de su amistad. El filósofo siempre se había negado a posar para su amigo pintor. Para este cuadro Courbet se basó en una fotografía tomada algunos años antes por el fotógrafo Reutlínger. Proudhon aparece acompañado por su hija mayor, Catherine, nacida en 1850, y por la menor, Marcelle, nacida en 1852 y muerta de cólera en 1854. En principio también debía aparecer la esposa de Proudhon, sentada a la derecha, pero su figura fue sustituida finalmente por la cesta de labores.

La encantadora de serpientes / Henri Rousseau

Museo D'Orsay, París

Henri Rousseau
La producción de Rousseau abarca representaciones de mundos fantásticos y tropicales, pintados con extrema precisión y fidelidad, pero usando colores irreales y simbólicos e ignorando las habituales concepciones espaciales y el sentido de la perspectiva. El paisaje exótico, una tupida vegetación que ocupa las tres cuartas partes de la composición, está iluminado por una luz fría que se refleja en el agua: una naturaleza fantástica e irreal. La misteriosa encantadora de serpientes y los animales aparecen inmóviles, formas planas en una naturaleza onírica y mágica. Gracias al mundo primigenio y naíf creado por Rousseau y después por los expresionistas, que reivindican los valores incontaminados del salvaje, irán convergiendo manifestaciones artísticas pertenecientes a culturas diversas: un factor este que será decisivo para la evolución del arte.

La granjera / Joan Miró

Colección particular

Joan Miró
Aferrado a su realidad cercana, el artista nos propone la figura de la masovera, o granjera, realizando sus tareas habituales en la cocina. La estilización de los elementos es muy acusada, sobre todo en lo que atañe a los objetos y a la decoración, esbozando ya la deformación de las formas que culminará en la liberalización total de las mismas.

sábado, 23 de marzo de 2013

El puente de Rialto desde el sur / Canaletto

Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma

Canaletto
En esta perspectiva del Gran Canal el pintor ofrece una bonita vista del puente de madera terminado en 1591. Pero el tema central son en realidad las góndolas. El sombreado hace que el canal parezca muy estrecho, aunque esta impresión desaparece gracias al azul intenso del cielo, que abarca casi por completo la mitad superior del cuadro. Además, el cielo confiere a la escena una cierta solemnidad.

El Gran Canal desde el Palacio Balbi hacia Rialto / Canaletto

Ca'Rezzonico, Venecia

Canaletto
Esta obra temprana representa el canal en su zona de mayor amplitud. A lo lejos se ve el puente de Rialto y la cúpula de Santa María della Salute. Él encuadre recuerda la pintura de escenarios teatrales, al igual que la dirección de la luz, hacia el primer plano y hacia el fondo. Por contraste con las aguas tranquilas, sobre las que circulan pocas góndolas, las nubes llenan de vitalidad el cielo.

El Bucentauro en el muelle el día de la Ascensión / Canaletto

Colección particular

Canaletto
El duque de Venecia, mandatario supremo de la ciudad, salía el día de la Ascensión a mar abierto con su galera de gala, llamada Bucentauro, para lanzar al agua un anillo que representaba las bodas simbólicas de Venecia con el mar. Canaletto plasmó en varias ocasiones esta fiesta popular. Estos cuadros tienen un carácter narrativo, gracias a la reproducción de figuras en movimiento y al carácter suntuoso de la decoración. La zona de sombra en el primer plano sirve para que la atención se dirija hacia la galera adornada del centro y amplía la distancia espacial.

viernes, 22 de marzo de 2013

Naturaleza muerta con Biblia y candelabro - Still Life with Bible and candle - Vincent Van Gogh

Naturaleza muerta con Biblia y candelabro - Still Life with Bible and candle - Vincent Van Gogh -  Van Gogh Museum, Ámsterdam, Su actitud hacia la Iglesia había cambiado mucho y en diversas cartas se trasluce su desdén hacia la hipocresía de muchos de sus representantes. Las relaciones con su padre se habían deteriorado aún más, pero cuando éste murió de repente, en marzo de 1885, Vincent sufrió una profunda conmoción.  La Naturaleza muerta con Biblia y candelabro fue pintada un mes después de este triste episodio y deja ver el estado de ánimo del pintor. El texto sagrado, que Van Gogh había empezado a traducir a cuatro lenguas, sobresale gigantesco sobre el plano de una mesa. Junto a él se ve una vela apagada, símbolo de meditación, que en la pintura de los siglos pasados aludía al tema del memento morí. En primer plano, sin embargo, Vincent ha colocado una novela moderna de Víctor Hugo, uno de los autores preferidos de Van Gogh. El cuadro, aparentemente sencillo, reúne una serie de temas de reflexión fundamentales para su autor: la meditación sobre la muerte, ligada a la desaparición de su padre, y la importancia de la religión en la vida de los dos, pero, al mismo tiempo, su encuentro con una esfera de intereses distinta, con la "vida moderna", que era objeto de discusión, descripción y representación por parte de los exponentes más progresistas del arte y de la cultura contemporáneos.
Van Gogh Museum, Ámsterdam
1885
65 x 78 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh
Su actitud hacia la Iglesia había cambiado mucho y en diversas cartas se trasluce su desdén hacia la hipocresía de muchos de sus representantes. Las relaciones con su padre se habían deteriorado aún más, pero cuando éste murió de repente, en marzo de 1885, Vincent sufrió una profunda conmoción. La Naturaleza muerta con Biblia y candelabro fue pintada un mes después de este triste episodio y deja ver el estado de ánimo del pintor. El texto sagrado, que Van Gogh había empezado a traducir a cuatro lenguas, sobresale gigantesco sobre el plano de una mesa. Junto a él se ve una vela apagada, símbolo de meditación, que en la pintura de los siglos pasados aludía al tema del memento morí. En primer plano, sin embargo, Vincent ha colocado una novela moderna de Víctor Hugo, uno de los autores preferidos de Van Gogh. El cuadro, aparentemente sencillo, reúne una serie de temas de reflexión fundamentales para su autor: la meditación sobre la muerte, ligada a la desaparición de su padre, y la importancia de la religión en la vida de los dos, pero, al mismo tiempo, su encuentro con una esfera de intereses distinta, con la "vida moderna", que era objeto de discusión, descripción y representación por parte de los exponentes más progresistas del arte y de la cultura contemporáneos.


Obras de:
Vincent Van Gogh
AutorretratoAutorretratoAutorretrato con la oreja cortada
Borrachos Café por la noche, Place Lamartine, Arles Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville Ciprés con cielo estrellado Dos girasoles
El escolar El niño de los Roulin El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros GirasolesJaponería: Oiran
Jarrón con girasolesJarrón con malvaviscosLa Arlesiana
La Casa AmarillaLa habitación de Van Gogh en ArlesLa iglesia de Auvers
La ItalianaLa Mousmé sentadaLa siesta
La silla de GauguinLa silla del pintorLa terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanasLos comedores de patatasMlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbónNaturaleza muerta con Biblia y candelabroNaturaleza muerta con lirios
Noche estrelladaPaisaje al atardecerPaseo en el crepúsculo
Prado con mariposasRetrato de Joseph RoulinRetrato de la señora Roulin
Retrato de MillietRetrato de Pére Tanguy Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor ReyRetrato del pintor BochRonda de prisioneros
Sauces a la puesta de solSembrador a la puesta de solTejedores en el telar
Trigo verdeUn par de zapatos


jueves, 21 de marzo de 2013

Las tentaciones de Moisés / Sandro Botticelli

Capilla Sixtina, Vaticano / Pared sur

Sandro Botticelli
Con gran maestría, Botticelli insertó de derecha a izquierda en el paisaje siete episodios de la vida de Moisés: vestido con túnica amarilla, da muerte en el primero a un guardia egipcio y huye hacia el país de Madián. Allí arroja a los pastores que impedían a las hijas de Jetró, una de las cuales convierte en su mujer, abrevar sus rebaños. Mientras el patriarca apacienta las ovejas de su suegro, cuya interpretación iconográfica alude simbólicamente a Cristo, que vela por su iglesia, Éste se le aparece en la zarza ardiente y le ordena descalzarse antes de acercarse a Él. Después le pide que saque a los israelitas de Egipto para conducirlos hacia la Tierra Prometida, encabezando su figura el famoso éxodo de los hebreos.

miércoles, 20 de marzo de 2013

El redil de las ovejas. Claro de luna / Jean-François Millet

Museo D'Orsay, París

Jean-François Millet
En este nocturno el paisaje está iluminado por la luna, cuya luz se difunde con un movimiento ondulatorio que da la impresión de palpitar rítmicamente. Toda la composición se halla impregnada de una sensación de paz y de profunda calma. El pastor es una simple silueta oscura, de gestos que se nos antojan lentos y mesurados, de una silenciosa majestad. Las siluetas de las ovejas, que aparecen muy juntas,también se distinguen con dificultad, apenas iluminadas por los rayos de la luna.

Caminante sobre el mar de niebla / Caspar David Friedrich

Kunsthalle, Hamburgo

Caspar David Friedrich
Friedrich encarna el alma emotiva y espiritual del romanticismo. En muchas de sus obras los personajes son símbolos de una meditación sobre el sentido de la vida y el destino del hombre después de la muerte. Este cuadro invita al espectador a verse reflejado en el personaje de espaldas, compartiendo sus emociones y sus sentimientos ante el poder e inmensidad de la naturaleza, y buscando una armonía superior con el universo.

Bodegón con fruta y vajilla - Still life with fruit and crockery - Willem Van Aelst

Bodegón con fruta y vajilla - Still life with fruit and crockery - Willem Van Aelst - Galería Palatina, Palacio Pitti, Florencia. Van Aelst realizó esta fastuosa naturaleza muerta durante su estancia en Italia. Fue propiedad del cardenal Leopoldo de Médicis (1617-1675) hasta el año 1675, junto con su pareja, otro bodegón con frutas igualmente suntuoso. Su ejecución demuestra las dotes pictóricas de Van Aelst, así como su gusto por lo decorativo. Los preciosos objetos y los exquisitos manjares están armoniosamente dispuestos, y su calidad y textura se realzan a través de una refinada selección de los colores.
Galería Palatina, Palacio Pitti, Florencia
1653
77 x 102 cm. Óleo sobre lienzo

Willem Van Aelst
Van Aelst realizó esta fastuosa naturaleza muerta durante su estancia en Italia. Fue propiedad del cardenal Leopoldo de Médicis (1617-1675) hasta el año 1675, junto con su pareja, otro bodegón con frutas igualmente suntuoso. Su ejecución demuestra las dotes pictóricas de Van Aelst, así como su gusto por lo decorativo. Los preciosos objetos y los exquisitos manjares están armoniosamente dispuestos, y su calidad y textura se realzan a través de una refinada selección de los colores.

lunes, 18 de marzo de 2013

Vida y muerte / Gustav Klimt

Colección particular

Gustav Klimt
Poco después de realizar El beso, el artista retoma el tema del abrazo en otra composición llena de simbolismo. La muerte está pintada con colores fríos, en oposición a las tonalidades cálidas del grupo de hombres, que representan la alegría de vivir, el himno al amor que vence a la muerte.

Virgen de la pera (Madona Morelli) / Giovanni Bellini

Academia Carrara, Bérgamo

Giovanni Bellini
Este cuadro devocional, originariamente de propiedad particular, seduce por la concepción magistral y la delicada ejecución del paisaje del fondo. Está animado por pequeñas figuras, que le confieren una atmósfera ligera y graciosa. Bellini se inspiró en las églogas pastoriles, tan en boga en aquella época, para crear esta escena bucólica, que repetiría en obras posteriores.

Venus y Vulcano / François Boucher

Museo del Louvre, París

François Boucher
Boucher no representa en este cuadro ninguna aventura erótica. Venus desciende a la fragua de Vulcano para recoger las armas destinadas al héroe troyano Eneas. La sensación de vitalidad se consigue mediante el ritmo de las nubes y de las figuras, y en menor medida a través del contraste entre colores fuertes y suaves, que caracterizan las distintas esferas del dios del fuego y de su consorte.

Venus y las tres Gracias sorprendidas por un mortal / Jacques Blanchard

Museo del Louvre, París


Jacques Blanchard
En esta composición inusual un hombre contemporáneo observa indecorosamente a la diosa y a sus acompañantes mientras descansan. Ninguna de ellas retrocede ante el intruso. Su espontaneidad y belleza, así como la piel desnuda, simbolizan el amor físico y sensual. Las obras de Blanchard son apreciadas en amplios círculos, sobre todo por su virtuosa representación del desnudo femenino y por su agradable colorido.

Tríptico del martirio de san Erasmo / Dierick Bouts el Viejo

Colegiata de San Pedro, Lovaina

Dierick Bouts el Viejo
Este retablo, una de las mejores obras de la madurez del artista, muestra el estilo expresivo tan típico y personal de Bouts. En la tabla central se describen los tormentos del santo, el obispo de Antioquía: dos verdugos enrollan sus vísceras en un torno. La escena está flanqueada, a la izquierda, por san Jerónimo con el león y, a la derecha, por san Bernardo con el demonio ligado.

viernes, 15 de marzo de 2013

Subida al Calvario / El Bosco

Museo de Bellas Artes, Gante

El Bosco
Cristo aparece en el centro de la escena con rostro de bondad. Mediante una deformación grotesca se pone de manifiesto la crueldad y la ignorancia de los verdugos. En este cuadro el pintor plasmó con acentos nuevos la creencia de que existía una relación entre las deformidades y lo demoníaco. La peculiar plasmación de la fisonomía humana por parte del Bosco inspiró durante mucho tiempo a los caricaturistas.

Santo Domingo de Guzmán y los albigenses / Pedro Berruguete

Museo del Prado

Pedro Berruguete
El estilo pictórico de las últimas obras de Berruguete es más rígido, con colores compactados, como en el esmalte. Ningún otro pintor español consiguió escorzos tan bien logrados ni interiores con tal sensación de espacio y luminosidad. En este fragmento del retablo de Santo Domingo se muestra al religioso, fundador de la orden de los Dominicos como reacción frente al movimiento herético del sur de Francia, en una quema de libros de la secta.

San Valentín bautizando a santa Lucila / Jacopo Bassano

Museo Cívico, Bassano del Grappa

Jacopo Bassano
Esta obra tardía y de rico colorido muestra la intensa expresividad de la luz en la obra de Bassano. El artista entreteje la atmósfera a partir de tonos brillantes de la gama más fría, y la dota de una luminosidad resplandeciente.

jueves, 14 de marzo de 2013

Tierra labrada / Joan Miró

The Salomón R. Guggenheim Museum, Nueva York

Joan Miró
Miró nos desborda con este lienzo, fruto de la mutación de su arte, en el cual se halla la mayoría de elementos utilizados en La masía, pero pasados ya por el tamiz de su nueva visión de la realidad, propiciada por una exigencia interior que no puede ignorar y a la que se rinde.

Retrato de Mistress Mills en 1750 / Joan Miró

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Joan Miró
En los retratos imaginarios podemos apreciar la búsqueda de la forma pura partiendo de un retrato clásico, que le sirve de excusa más que de modelo a seguir. Miró pinta el fondo con una saturación homogénea de color, mientras rebaja la intensidad del pigmento con aguarrás para obtener una textura más turbia en la figura de la dama.

Vista de Tívoli y de los jardines de Villa d'Este / Jean-Baptiste-Camille Corot

Museo del Louvre, París

Jean-Baptiste-Camille Corot
La importancia histórica de Corot reside en haber desarrollado y reelaborado el tema romántico de la relación entre el hombre y la naturaleza, acentuando sus aspectos realistas. En esta obra podemos advertir otra característica de sus paisajes: la dilatación de los espacios. La mirada del espectador se detiene en la vastedad y profundidad del fondo, iluminado por un cielo claro. Además, cabe señalar el juego de las líneas horizontales del muro y la balaustrada del primero plano con el impulso vertical de los cipreses.

miércoles, 13 de marzo de 2013

Reunión de artistas en el taller de Isabey / Louis-Léopold Boilly

Museo del Louvre, París

Louis-Léopold Boilly
Boilly creó un nuevo género pictórico dentro de la pintura francesa con esta representación festiva de artistas vivos, que aúna la comedia de salón y el panteón de artistas. Los héroes modernos de la cultura están rodeados de retratos de antiguos maestros que penden de las paredes. La diosa Minerva con las alegorías del arte preside la reunión.

Retrato del pintor Antón Peschka - Portrait of the Painter Anton Peschka - Egon Schiele

Retrato del pintor Antón Peschka - Portrait of the Painter Anton Peschka - Egon Schiele - Colección particular. Cinco años más joven que Schiele, Peschka frecuenta con él la Academia de Viena y en 1914 se casa con la hermana del artista, Gertrude. El 5 de febrero de 2001 la pintura fue vendida en una subasta de Londres por 7,7 millones de libras.
Colección particular
1909
110,2 x 100 cm. Óleo sobre lienzo

Egon Schiele
Cinco años más joven que Schiele, Peschka frecuenta con él la Academia de Viena y en 1914 se casa con la hermana del artista, Gertrude. El 5 de febrero de 2001 la pintura fue vendida en una subasta de Londres por 7,7 millones de libras.


Obras de:
Egon Schiele
Autorretrato con los dedos extendidos Muchacha con cofiaRetrato de Guido Arnot
Retrato del pintor Antón Peschka





San Agustín / Sandro Botticelli

Iglesia de Ognissanti, Florencia

Sandro Botticelli
El fresco muestra al influyente Padre de la Iglesia (354-430) en su estudio, rodeado de instrumentos astronómicos y libros; el birrete episcopal indica su condición de obispo de Hipona (África). El contenido de la representación hace referencia también al fresco contiguo, en el que figura san Jerónimo. El reloj del fondo marca la hora anterior a la salida del sol, momento de la muerte de san Jerónimo en un convento cercano a Belén. Conmocionado por la visión de la muerte, el Padre de la Iglesia muestra una actitud circunspecta, con la mano en el pecho y la mirada baja. El gesto patético se ve realzado por la perspectiva inferior, un rasgo frecuente en el arte de Botticelli.

martes, 12 de marzo de 2013

Un par de zapatos - Pair of shoes - Vincent Van Gogh

Un par de zapatos - Pair of shoes - Vincent Van Gogh -  The Baltimore Museum of Art, A pesar de su aparente banalidad, la obra demuestra con qué atención seguía Van Gogh las novedades de la pintura contemporánea. La composición, que el corte diagonal de la mesa hace dinámica, se torna aún más vivaz gracias a las rápidas pinceladas con se representa el paño azul, que casi parece deslizarse debajo de los zapatos. En comparación con el período holandés, el colorido se ha aclarado; con el azul se combina un marrón claro y aparecen aquí y allá toques de blanco para aclarar la superficie. Van Gogh presta notable atención a la luz, que torna móviles las superficies y que el artista utiliza para describir algunos detalles, como las cuerdas retorcidas, la piel gastada, el grosor de los clavos de las suelas.  El fondo oscuro, por el contrario, parece trazado con un pincel de punta más fina que forma una serie de cuadrados o rectángulos, de una manera que recuerda las incisiones.
The Baltimore Museum of Art
1887
34 x 41,5 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh
A pesar de su aparente banalidad, la obra demuestra con qué atención seguía Van Gogh las novedades de la pintura contemporánea. La composición, que el corte diagonal de la mesa hace dinámica, se torna aún más vivaz gracias a las rápidas pinceladas con se representa el paño azul, que casi parece deslizarse debajo de los zapatos. En comparación con el período holandés, el colorido se ha aclarado; con el azul se combina un marrón claro y aparecen aquí y allá toques de blanco para aclarar la superficie. Van Gogh presta notable atención a la luz, que torna móviles las superficies y que el artista utiliza para describir algunos detalles, como las cuerdas retorcidas, la piel gastada, el grosor de los clavos de las suelas.
El fondo oscuro, por el contrario, parece trazado con un pincel de punta más fina que forma una serie de cuadrados o rectángulos, de una manera que recuerda las incisiones.


Obras de:
Vincent Van Gogh
AutorretratoAutorretratoAutorretrato con la oreja cortada
Borrachos Café por la noche, Place Lamartine, Arles Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville Ciprés con cielo estrellado Dos girasoles
El escolar El niño de los Roulin El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros GirasolesJaponería: Oiran
Jarrón con girasolesJarrón con malvaviscosLa Arlesiana
La Casa AmarillaLa habitación de Van Gogh en ArlesLa iglesia de Auvers
La ItalianaLa Mousmé sentadaLa siesta
La silla de GauguinLa silla del pintorLa terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanasLos comedores de patatasMlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbónNaturaleza muerta con Biblia y candelabroNaturaleza muerta con lirios
Noche estrelladaPaisaje al atardecerPaseo en el crepúsculo
Prado con mariposasRetrato de Joseph RoulinRetrato de la señora Roulin
Retrato de MillietRetrato de Pére Tanguy Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor ReyRetrato del pintor BochRonda de prisioneros
Sauces a la puesta de solSembrador a la puesta de solTejedores en el telar
Trigo verdeUn par de zapatos


La masía / Joan Miró

National Gallery of Art, Washington

Joan Miró
Miró culmina su etapa realista con este lienzo, uno de los más celebrados del pintor. Podríamos decir que es una síntesis de su arte más que un resumen, en el cual podemos encontrar ya el germen que proporcionará su evolución hacia un lenguaje propio. Las imágenes las tiene ya fijadas, sólo le hace falta deformarlas líricamente.

La sublevación contra la ley de Moisés / Sandro Botticelli

Capilla Sixtina, Vaticano / Pared sur

Sandro Botticelli
Dividida en tres episodios: el desacato por parte de los hebreos de la ley divina dictada por Moisés y su hermano Aarón; la negación de los levitas y de los hijos de Aarón de la jerarquía de este último, y Moisés precipitando al abismo a los rebeldes y perdonando a los inocentes. Botticelli incluyó la representación de figuras coetáneas de la época. Constituye uno de los frescos clave de todo el recinto de la Capilla Sixtina, ya que lleva implícita la advertencia de Sixto IV a todos aquellos que se atreviesen a atacar su autoridad como Papa. La inscripción que figura en el arco de triunfo de Constantino, el primer emperador cristiano, pone el dedo en la llaga acerca del papel que desempeña esta escena en el conjunto pictórico: “No dejes que nadie se dé honor a sí mismo, sino quien ha sido llamado por Dios, como Aarón.” A la izquierda de la composición, el patriarca presenta el aspecto de un anciano con barba blanca y sólo la túnica amarilla y un manto de color verde oliva lo relacionan con la imagen de los frescos que completan el ciclo dedicado a su leyenda y figura. Al fondo, el detalle de los barcos hace referencia probablemente a la flota del Papa, en el centro, Aarón, vestido con túnica azul y dorada y la tiara papal luciendo sobre su cabeza, es sometido por sus hijos y los levitas a la prueba del incienso, ya que éstos niegan su jerarquía y atentan así a su autoridad de Sumo Sacerdote. Cuando en respuesta a la invitación de Moisés llevan a cabo el rito, el humo de los rebeldes se vuelve contra ellos y caen a tierra, y a la derecha de la obra, la representación de la revuelta de los judíos contra Moisés, una multitud enfervorizada muestra su decepción y lleva en sus manos piedras para la lapidación, aunque son aplacados por el gesto enérgico de Josué, quien defiende al patriarca de la sangrante agresión. Los judíos, descorazonados, pedían un nuevo caudillo que les guiara en aquella aventura o les condujese de nuevo a Egipto.

Retrato de un hombre / Sandro Botticelli

Galería Palatina, Palacio Pitti, Florencia

Sandro Botticelli
Botticelli siguió en sus primeros retratos las nuevas formas expresivas del género. El busto del joven se muestra con mayor amplitud de lo normal. Sobre el cielo claro resalta el color oscuro del jubón y del tocado, típicos de la época. El cuadro está concebido desde una perspectiva ligeramente inferior, lo que confiere al joven un cierto toque de altanería y orgullo.

Retrato de un hombre que muestra una medalla de Cosme de Médicis / Sandro Botticelli

Galería de los Uffizi, Florencia

Sandro Botticelli
Esta obra de Botticelli es uno de los retratos más extraordinarios del Renacimiento temprano. El joven, colocado delante de un amplio paisaje con río, mira al espectador y le presenta una medalla en la que se reconoce el perfil de Cosme de Médicis (1389- 1464). Ésta se añadió al cuadro en forma de vaciado en yeso con baño dorado.

Retrato de Guido Arnot - Portrait of Guido Arnot - Egon Schiele

 Retrato de Guido Arnot - Portrait of Guido Arnot - Egon Schiele - Colección particular. Arnot es uno de los primeros marchantes que creen en el arte de Schiele, al que conoce en 1912. Además de organizar una importante muestra de sus obras en 1914, adquiere regularmente pinturas suyas hasta su muerte.
Colección particular
1918
Óleo sobre lienzo

Egon Schiele
Arnot es uno de los primeros marchantes que creen en el arte de Schiele, al que conoce en 1912. Además de organizar una importante muestra de sus obras en 1914, adquiere regularmente pinturas suyas hasta su muerte.


Obras de:
Egon Schiele
Autorretrato con los dedos extendidos Muchacha con cofiaRetrato de Guido Arnot
Retrato del pintor Antón Peschka





viernes, 8 de marzo de 2013

Presentación en el templo / Giovanni Bellini

Fundación Querini Stampalia, Venecia

Giovanni Bellini
Bellini tomó como modelo para este cuadro la Presentación en el templo de Mantegna. Las dos composiciones se asemejan en su estructura y en sus protagonistas. Detrás de María, que entrega al Niño envuelto en pañales al sumo sacerdote, están representados (mirando hacia la izquierda) Nicolosia, la hermana de Bellini, con su marido, y Jacopo Bellini (en el centro). El grupo se completa con las figuras exteriores, retrato de la madre de Bellini y del propio artista

Políticos en el parque de las Tullerías / Louis-Léopold Boilly

Museo del Ermitage, San Petersburgo

Louis-Léopold Boilly
Desde su creación en el siglo XVI el parque de las Tullerías fue escenario de la vida social. En este cuadro un grupo de caballeros escucha atentamente al lector del periódico. La reproducción un tanto exagerada de sus gestos confiere a la obra rasgos caricaturescos.

Pareja de amantes venecianos / Paris Bordone

Pinacoteca de Brera, Milán

Paris Bordone
Este cuadro es una de las obras más famosas del pintor. La afectuosa relación de la pareja expresa una sensualidad contenida, que recuerda algunas obras de Giorgione. La pasión deja paso a un idilio burgués. La delicada sensibilidad es característica de esta fase creativa del artista.

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