Calvario / The Crucifixion / Lucas Cranach el Viejo

Art Institute de Chicago

Lucas Cranach el Viejo

La agitada composición constituye una mescolanza de personajes evangélicos y de figuras coetáneas del pintor. Bajo las cruces aparece un nutrido grupo de jinetes en el que se distingue al Elector de Sajonia y a diversos miembros de su corte, vestidos con armadura o en indumentaria civil. Testigos de excepción del martirio de Cristo, contemplan con tristeza la cruz o intercambian exclamaciones en voz baja. El Crucificado se recorta sobre un celaje que presagia fuerte tormenta, flanqueado por los ladrones; el de la derecha ha sido descrito como un hombre obeso, de aspecto ridículo. Ocupan el primer término tres grupos de figuras. A la izquierda, la Virgen con las Marías y san Juan; aquella se halla anonadada por el dolor y es confortada por las personas amigas que la acompañan. En el centro situó el pintor a un enano grotesco, en conversación con dos hombres y un soldado. En el ángulo derecho, los sayones se disputan a los dados la posesión de la túnica de Cristo.

Visto en detalle estos dos últimos grupos permite apreciar las características peculiares del estilo de Cranach en su madurez. Ante todo, se reconoce un propósito exageradamente expresivo que le conduce a representar tipos humanos de rostros caricaturescos. Sus rasgos son a menudo deformes y mal proporcionados, y revelan sentimientos de odio, ira o desdén. Debe añadirse que el pintor se sirvió de un canon muy corto, precisamente para acentuar la expresividad de las caras que componen tan abigarrado mosaico. En segundo término, se advierte el interés por rendir el efecto visual de los materiales –telas de calidad sedosa, aceradas armaduras- que constituyen la indumentaria de los personajes. Cranach ha descrito en detalle la textura de las cotas de malla, los recovecos de los trajes acuchillados, sombreros de caprichosas formas y el pormenor de las espaldas con guardamano de lazo. La superposición de todos estos elementos determina el carácter agitado y caótico de la composición en la que se conjugan el ritmo curvilíneo de las figuras situadas sobre el suelo y la verticalidad de las cruces y las lanzas que erizan el celaje. La composición fue tomada en sus líneas generales de un grabado en madera de Alberto Durero. El cuadro se halla firmado con el monograma del dragoncillo alado, junto al que figura la fecha de 1533.

Combate entre Giaour y el Pachá / Eugéne Delacroix

Art Institute de Chicago

Eugéne Delacroix

El artista francés utilizó el procedimiento de tratar ciertas zonas de la tela con colores monocromos –por ejemplo, en amarillo, el espacio en torno a las patas de los caballos-, aplicando posteriormente toques de luz y manchas de tonos más oscuros que crean la impresión del relieve y de los detalles. Delacroix juega con la oposición de gamas cromáticas y se sirve de una pincelada vibrante que deposita el color en forma individualizada, a la manera que en las últimas décadas del siglo XIX se denominaría divisionista. La composición constituye un ejemplo de la perfecta integración del color en la estructura de la obra, logro de Delacroix que motivaría a sus sucesores de la tendencia impresionista. Por su parte, el tema del lienzo, un encarnizado combate entre jinetes que se desarrolla en el marco de una batalla generalizada, responde al interés de su autor por los temas moriscos.

Cristo de los ultrajes / The Mocking of Christ / Matthias Grünewald

Alte Pinakothek de Munich

Matthias Grünewald

La tradición medieval ha sido completamente olvidada por un autor que trata el episodio evangélico en términos de humana crueldad. La abigarrada composición responde al deseo de expresar el contraste entre la resignación de Cristo y el instinto brutal de los paganos que lo martirizan. Utiliza el pintor una densa gama de colores, resaltándola sobre un fondo oscuro, y dota a los personajes de actitudes convulsas y rostros de expresiones agresivas. Hay una indudable ansia de originalidad en la disposición de las figuras y en el detalle de su indumento, evidente, por ejemplo, en el vendaje que oculta los ojos y parte superior de la cabeza de Cristo, acentuando la resignación de su gesto.

Borrachos - The Dinkers - Vincent Van Gogh

Art Institute de Chicago
1890
59,4 x 73,4 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh

En los últimos meses de su vida, Vincent Van Gogh alcanzó en su pintura el ápice del dramatismo expresivo. El artista, cuya situación síquica bordeaba la paranoia, trató de refrenar sus impulsos sometiéndose a la interpretación de obras de otros autores, como medio para evitar enfrascarse en una tarea de creación original que le hubiera sobreexcitado. Durante el período de estancia en el asilo de Saint-Rémy, Van Gogh realizó diversas réplicas de grabados de Delacroix, Millet y Daumier, entre ellas el óleo Borrachos, inspirado en una composición del último de estos artistas. En una carta a su hermano Theo, revela el pintor que su propósito no es simplemente el de efectuar una copia, sino el de transcribir el grabado original en el lenguaje del color. La composición del modelo fue conservada en sus rasgos principales, con la adición del paisaje de fondo, en cuyo horizonte aparecen diversas construcciones y las líneas verticales de chimeneas que expulsan negros humos. El cielo fue colmado de nubes retorcidas en las que la impronta del característico trazo espiral de Van Gogh ha quedado de modo indeleble. La tensión emocional del autor se manifiesta tanto en la agitación de las líneas, como en el frío esquema cromático, prácticamente reducido a las gamas de verdes y azules. El cuadro fue pintado en el mes de febrero de 1890.

Obras de: Vincent Van Gogh
Autorretrato	Autorretrato	Autorretrato con la oreja cortada
Borrachos	Café por la noche, Place Lamartine, Arles	Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville	Ciprés con cielo estrellado	Dos girasoles
El escolar	El niño de los Roulin	El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros	Girasoles	Japonería: Oiran
Jarrón con girasoles	Jarrón con malvaviscos	La Arlesiana
La Casa Amarilla	La habitación de Van Gogh en Arles	La iglesia de Auvers
La Italiana	La Mousmé sentada	La siesta
La silla de Gauguin	La silla del pintor	La terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanas	Los comedores de patatas	Mlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbón	Naturaleza muerta con Biblia y candelabro	Naturaleza muerta con lirios
Noche estrellada	Paisaje al atardecer	Paseo en el crepúsculo
Prado con mariposas	Retrato de Joseph Roulin	Retrato de la señora Roulin
Retrato de Milliet	Retrato de Pére Tanguy	Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor Rey	Retrato del pintor Boch	Ronda de prisioneros
Sauces a la puesta de sol	Sembrador a la puesta de sol	Tejedores en el telar
Trigo verde	Un par de zapatos

Bodegón / William Michael Harnett

Art Institute de Chicago

William Michael Harnett

La obra persigue la representación realista de los objetos, llevándola hasta el extremo del ilusionismo pictórico. En la composición se advierte precisamente tal interés por destilar la esencia de las formas para convertirlas en productos químicamente puros. El método de disponer los elementos del bodegón sobre un fondo oscuro uniforme recuerda el utilizado por los pintores españoles del siglo XVII, en particular Zurbarán y Sánchez Cotán. Las diversas calidades y texturas de las superficies han sido descritas con precisión, gracias al dominio de una técnica que apenas se diferencia de la de los maestros antiguos. Se trata, en suma, de un estilo pulcro y sabio, ilustrado por un gusto ecléctico e intemporal. La asociación de los objetos responde, por otra parte, a una intención anecdótica, puesto que se trata de comestibles –una caja de pasas, un coco, un bote de mermelada- y una botella de marraschino que sugieren la hora del postre.

Bailarinas entre bastidores / Edgar Degas

Art Institute de Chicago

Edgar Degas

Lienzo de formato alargado que corresponde a la última etapa de actividad del artista. El cuadro revela un extraordinario poder de síntesis de la impresión óptica, puesto que, al analizar en detalle cada una de las figuras que lo componen, se advierte su carácter abocetado, la construcción de las formas por medio de manchas de color que se diluyen creando efectos evanescentes. Salvo algunos trazos que rinden intermitentemente los contornos de los brazos y piernas de las bailarinas situadas a la derecha, el lienzo carece de una estructura dibujística, al contrario de lo que ocurre en composiciones de fecha anterior. Una de las razones de la evolución estilística fue la progresiva pérdida de visión, que movió al artista a dedicarse sobre todo al pastel, técnica que no exige excesivo rigor en la delimitación de las formas, y aquí muestra precisamente la utilización del óleo con un procedimiento similar al del pastel.

Asunción de la Virgen / El Greco

Art Institute de Chicago

El Greco

El Greco divide la composición en dos planos. En el superior aparece María acompañada por ángeles, poseído su cuerpo de un impulso ascensional que se traduce en el tratamiento serpentinato de la figura. En el plano terreno se hallan los apóstoles, escindidos en dos grupos junto al sepulcro vacío. Sus actitudes denotan la sorpresa ante el portento, traducen profundas emociones con gestos cuya teatralidad se olvida en función de la coherencia del conjunto. Es evidente, en suma, que el artista se planteó la composición con un sentido arquitectónico. Un análisis individual de las figuras muestra las influencias de Veronés y de Miguel Ángel; a ésta se debe el monumentalismo y poder expresivo de las representaciones de apóstoles, que parecen inspiradas en los frescos de la Capilla Sixtina. Aparte tales elementos estilísticos, propios de la primera etapa de la pintura cretense, esta composición ofrece características puramente autónomas y que indican de forma muy clara la definitiva orientación de la obra del Greco. Así, por ejemplo, el canon alargado de los rostros de las figuras y su expresión visionaria, o la oposición y alternancia de gamas de color amarillo, azul, verde y rojo.

Armida abandonada por Rinaldo - Armida Abandoned by Rinaldo - Giovanni Battista Tiépolo

Art Institute de Chicago
1745
73 x 102 cm. Óleo sobre lienzo

Giovanni Battista Tiépolo

El cuadro muestra a Rinaldo instado por sus amigos Ubaldo y Güelfo a abandonar a la bella pagana. El apuesto guerrero parece dudar entre la llamada del deber y la pasión amorosa. Al fondo, un horizonte de montañas azuladas abriga los esquemáticos perfiles de la ciudad de Jerusalén. La ligereza del toque pictórico, el virtuosismo del dibujo y la claridad cromática son características esenciales del estilo de Tiépolo, brillante y trivial, que se manifiestan de modo ejemplar.

Obras de: Giovanni Battista Tiépolo
Abraham y los tres ángeles	Adoración de los Reyes	Agar e ismael en el desierto
Armida abandonada por Rinaldo	Investidura del obispo Harold como duque de Franconia	Las virtudes teologales
Martirio de santa Águeda	Virgen del Carmen

Adoración de los Reyes / Francesco Botticini

Art Institute de Chicago

Francesco Botticini

Francesco di Giovanni Botticini fue un artista toscano de segundo orden; su obra es una amalgama de elementos tomados de Filippo Lippi, Rosselli y, sobre todo, de Botticelli. Este tondo se halla inspirado en el del mismo tema que Botticelli realizó en la década de 1470, composición que se conserva en la National Gallery de Londres. La comparación entre ambas obras pone de manifiesto que Botticini carecía de un estilo personal, si bien poseía una extraordinaria capacidad para transformar los modelos de los que se servía. Prácticamente todos los ingredientes del original de Botticelli reaparecen en este tondo: la grandilocuente arquitectura del ruinoso portal, que adopta el aspecto de una basílica renacentista, los diversos grupos de adoradores y animales de distintas especies, perros, un mono, un pavo real. Ello demuestra, en suma, que las concomitancias compositivas y de estilo no son puramente casuales. En cierto modo, puede decirse que Botticini pretendía ser más botticelliano que el propio Botticelli, puesto que desarrolló sus escenografías, perspectivas, personajes, registro cromático y sentimiento espacial con una exageración caricaturesca. Además, la concentración de elementos heterogéneos enmascara el tema principal para convertir el tondo en una mera yuxtaposición de escenarios y figuras.

Tríptico de san Juan / Hans Memling

Museo de Viena

Hans Memling

En sus tablas laterales muestra las efigies de los dos Juanes, el Bautista y el Evangelista, situándolas en un interior que se abre al paisaje por ventanas que enlazan con las que aparecen en la composición central. Ésta se halla dedicada a la Virgen y el Niño, al pie de los cuales se hallan un ángel músico y un donante. En el exterior de las alas representó el artista las figuras de Adán y Eva. La identidad del encargante de esta obra es desconocida, pero un análisis radiográfico de la pieza ha demostrado que el rostro del joven donante fue en realidad pintado sobre un retrato de anciano, sin duda por el propio Memling. Ello deja el camino abierto a la especulación acerca de las circunstancias históricas en que fue ejecutada la pieza.

Sixto IV y Platina / Melozzo da Forli

Pinacoteca Vaticana

Melozzo da Forli

El fresco que representa a Sixto IV y a Bartolomeo Platina tiene un doble interés histórico y estético. Pintado para la serie mural que decoró la biblioteca de dicho papa, conmemora el momento en que el fundador nombra a Platina primer bibliotecario. Éste, de hinojos, señala la inscripción latina que justifica el suceso. Junto a ambos aparecen el protonotario apostólico Raffaello Riario, en pie tras el pontífice, ante el cual se halla con su ropa de cardenal Giuliano della Rovere, destinado a convertirse en papa con el nombre de Julio II; los restantes personajes son Girolamo Riario y Giovanni della Rovere. En términos estéticos, esta composición demuestra la influencia sobre su autor de Piero della Francesca, a la que debe atribuirse el carácter monumental de las figuras y la elección de gamas de color de una gran pureza. Melozzo sintió, además, un gran interés por los problemas de la perspectiva, que alcanzó a resolver con extraordinaria maestría; no en vano se le atribuye el descubrimiento de la perspectiva denominada por los tratadistas italianos de sotto in sú, es decir, la derivada de adoptar un punto de vista muy bajo, de tal manera que las figuras y objetos representados quedan en un plano muy superior al espectador, sometidos a escorzos considerables. El procedimiento sería empleado con profusión en las decoraciones de techos.

Virgen con ángeles - Virgin with angels - Pere Serra

Museo de Arte de Cataluña
1390
195,8 x 131 cm. Temple y dorado con pan de oro sobre tabla

Pere Serra

Tabla central de un retablo dedicado a la Virgen, en el que la figura mariana aparece resuelta, con un acompañamiento de seres alados que tocan distintos instrumentos musicales. A la cuidada ejecución de la obra, basada en una minuciosa labor de pincel y la aplicación del color por un procedimiento de rasgueado, se suma la presencia de oros gofrados en los fondos, aureolas y detalles de la indumentaria.

Obras de: Familia Serra
Retablo del monasterio de Sigena (Huesca)	Virgen con ángeles