Pobre pescador / Paul Gauguin

Museo de Sao Paulo

Paul Gauguin

Gauguin refleja la condición del hombre salvaje que ha hallado su identidad individual y cultural. Su fervor por el medio primitivo y auténtico se traduce en un ingenuismo plástico. El pintor ha descrito al personaje de perfil, pero disponiendo su torso de frente, según el formulario procedimiento perspectivo característico del arte egipcio faraónico. Las formas son delineadas con trazos rotundos y continuos, en franca oposición con los principios de la pintura impresionista. Finalmente, la composición se halla bañada por una luz de matiz lunar y tratada con una paleta compuesta por tonos violáceos y rojizos.

Retrato de Susana Bambridge / Paul Gauguin

Reales museos de Bruselas

 

Paul Gauguin

Robusta efigie cuyo volumen Gauguin se complace en exagerar encajándola apretadamente en el lienzo y salpicando su vestido con gruesas flores de colores chillones. También en esto hay cierto simbolismo acerca de la psicología del personaje.

Mahana no Atua / Paul Gauguin

Art Institute de Chicago

Paul Gauguin

El cuadro bien pudiera ser la ilustración de ciertos pasajes de un libro, en los que Gauguin narra las costumbres polinésicas y la peculiar estructura cosmológica oceaniana, regida por dioses cuyas efigies escultóricas se yerguen a lo largo de la costa para establecer la frontera entre la tierra y el mar, asegurando el equilibrio entre ambos elementos. En el primer término aparecen las figuras de tres mujeres junto a las aguas multicolores de la laguna del atolón; tras ellas, sobre una pequeña eminencia rocosa, se alza el ídolo maorí ante el cual se halla sentado un personaje que fuma en pipa. A la derecha, sobre el paisaje costero, situó el pintor a dos danzantes y a una amorosa pareja, mientras que en el lado izquierdo dispuso las representaciones de mujeres portadoras de ofrendas, contra el fondo de un mar azul coronado por crestas de espuma. Se trata, en suma, de una visión primitivista e imaginaria del mundo idílico de Gauguin.

Ta matete (El mercado) - The Market - Paul Gauguin

Museo de Basilea

Paul Gauguin

Expresa los deseos primitivistas de Paul Gauguin. Las cinco figuras que aparecen sentadas en el banco ponen de manifiesto una fuerte influencia de la pintura egipcia de la época faraónica. Todas ellas presentan las piernas de perfil, el busto en posición frontal y –excepto la del centro- el rostro de nuevo en perfil, con el ojo visto de frente. Las actitudes de los brazos recuerdan gestos del ritual funerario y se hallan sometidas a un ritmo común, lo mismo que las dos figuras de pescadores –al fondo- cuya marcha tiene algo de procesional. La ejecución pictórica evoca un ficticio primitivismo de medios y técnica, con burdos empastes que no llegan a crear manchas homogéneas.

Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casas?) - When Will You Marry - Paul Gauguin

Museo de Basilea

Paul Gauguin

Corresponde al primer período tahitiano, fechado por Gauguin en 1892. La obra es característica del proceso de búsqueda de la esencia del arte llamado primitivo, en el que el pintor se inspira para componer los rostros –tratados a grandes planos como una talla en madera- y para organizar las alternancias cromáticas. Las formas están compuestas por manchas de color uniforme, perfectamente delimitado por líneas de contorno, las cuales producen el efecto de las piezas de una vidriera. Por ello, las distancias entre las dos figuras centrales son ambiguas y el paisaje carece de profundidad de términos. El pintor no ha tratado de registrar experiencias visuales, sino evocar imágenes que su mente ha idealizado. Al presentar la realidad como un mosaico de color, Gauguin anticipa el fauvismo.

El caballo blanco - The White Horse - Paul Gauguin

Museo D’Orsay

Paul Gauguin

Durante su segunda estancia en Tahití, en 1878, pintó Gauguin este obra, composición que denota el influjo de la estética modernista. El artista ha centrado el cuadro en la figura de este caballo, cuajado de reflejos del agua del riachuelo, que patea en un cúmulo de luces doradas; entre las ramas curvas del árbol del primer término se distinguen las figuras de dos jinetes desnudos, sobre praderas de un verde intenso. Una flor de exótica apariencia, al borde del remanso, da al escenario su atmósfera paradisíaca y misteriosa. Como pretendía el pintor, esta obra sugiere “una naturaleza lujuriante y desordenada… las espesuras, los arroyos umbríos”. El procedimiento de ejecución, libre de toda preocupación de detalle, contribuye a reforzar el valor expresivo del cuadro.

Paisaje de Bretaña – Landscape from Bretagne - Paul Gauguin

Paul Gauguin

Lugar frecuentado por pintores y en el que Gauguin hacía su tercera estancia, prendado no sólo del paisaje bretón, sino también de sus gentes, de su primitivismo y de su arte popular.

Es entonces cuando mejor asimila la lección de Cézanne, en cuanto a la construcción de la obra, aunque la interpreta a su manera un tanto bárbara, mientras se va agudizando su misticismo egocentrista. Pinta sus Cristos bretones y contempla la naturaleza con una especie de sentimiento místico, frente a las colinas pardas ante el mar, sobre los campos de verdes exasperados en los que trabajan mujeres vestidas con los pintorescos trajes del país.

Faa Iheihe – Paul Gauguin

Paul Gauguin

Extraño título que Paul Gauguin antepuso a su firma en una composición con varias figuras. La traducción literal del idioma indígena podría ser algo así como “decorar con adornos” y la letra es lo suficientemente clara para no admitir que la segunda palabra sea Ineine, como han supuesto algunos, en cuyo caso hubiera equivalido a “preparativos para una fiesta”, con un sentido más inteligible.

El pintor parece buscar calma y serenidad en la existencia paradisíaca de la isla. Hay también un afán plástico, en busca de ritmos clasicistas, y una intención alegórica frente a la vida. La composición está influida, sin duda, por los frisos escultóricos javaneses, de los que tenía fotografías en su estudio. El sentido rítmico en la colocación de las figuras se acentúa cromáticamente por la alternancia de ocres y rojos que envuelven a aquéllas en inquietantes fulgores.

Autorretrato con halo - Self-Portrait with Halo – Paul Gauguin

Paul Gauguin

En éste autorretrato, los colores dominantes son un rojo y un amarillo vivísimos y enteros, que parten el cuadro por la mitad. A ellos se superpone la faz aguileña y snob del pintor con trazos rotundos y un modelado consistente. Pero además Gauguin se entrega al simbolismo y se adjudica los atributos que le revisten de la condición de nuevo Adán, junto a las manzanas que penden de una ramita y teniendo una serpiente entre los dedos. El reptil y los tallos de una extraña planta se combinan para formar un arabesco y establecer particiones tajantes del espacio pictórico, a la manera de los esmaltes alveolados.

Y todavía el autor se concede a sí mismo una aureola de santidad, flotante sobre su cabeza, en una curiosa exaltación de la propia personalidad.

Retrato de Marie Derrien – Portrait of Marie Derrien – Paul Gauguin

Paul Gauguin

La modelo aparece sentada en un sillón de brazos envolventes, con una mano sobre el halda, y en tres cuartos de perfil. Sobre la mesa del fondo existe un bodegón compuesto por un vaso, un cuchillo, varios frutos y una servilleta. En último término, Gauguin representó una naturaleza muerta de Cézanne que en la época de realización del cuadro -1890- le pertenecía. El primer elemento estilístico a señalar es, precisamente, el estilo cézanniano que adoptan no sólo la copia de dicha obra, sino también los objetos situados tras la figura. En la construcción de retrato prevalece un sentido lineal, si bien matizado por una técnica de coloración y modelado, a base de pinceladas paralelas, que denota igualmente la influencia de Cézanne. Durante algún tiempo se pensó que el cuadro representaba a Marie Henry, propietaria de la pensión de Le Pouldu en la que Gauguin se hospedó entre octubre de 1889 y fines de 1890.

Vairumati – Paul Gauguin

Paul Gauguin

Lienzo que atestigua el enriquecimiento de su estilo por la simplificación de la forma y la adquisición de gravidez colorista. Al retratar a esta muchacha indígena, el pintor ha tratado de identificarse con el arte primitivo que, según propia definición, “nace del espíritu y hace uso de la naturaleza”. Juegan en esta composición elementos simbólicos como el ave que atrapa un lagarto o el elaborado sitial que incluye en su respaldo la efigie de una divinidad tahitiana. Es evidente, en suma, que el artista no se preocupa por la realidad material del escenario, sino por su realidad conceptual.

Pueblo bretón bajo la nieve – Bretón village in the snow - Paul Gauguin

Paul Gauguin

Supone un cambio temático con respecto a las obras precedentes. Pintado en 1894, durante el paréntesis en Europa, sirve para comprender la adaptabilidad de Gauguin a los escenarios más diversos. Es como si el autor hubiese retornado a sus primeros tiempos, refrescando un modo de ver el paisaje que merece el calificativo de impresionista y que puede relacionarse con el estilo de Pissarro. Hasta cierto punto constituye esta obra un ejercicio para olvidar el medio que el pintor ha abandonado, y al que pronto retornará para siempre.

Los Alyscamps – Paul Gauguin

Paul Gauguin

Paul Gauguin pintó en 1888 este cuadro, inspirado por un paisaje en el que transcurre un canal a cuya orilla pasean tres damas; al fondo se divisa la torre de una capilla, coronada por una cúpula. El lienzo tiene un extraordinario interés documental, puesto que fue ejecutado en Arles, localidad a la que el pintor acudió atendiendo la llamada de Van Gogh –ello suponía interrumpir su estancia en Bretaña- y que abandonaría poco después, tras el dramático episodio de la oreja cortada en el que se manifestó la demencia del artista holandés. La composición, con su gusto por los ritmos curvilíneos, casi flameantes, y la técnica, a base de trazos paralelos, son evidentemente subsidiarias de la influencia de Van Gogh.

La bella Ángela – The beautiful Angela - Paul Gauguin

Paul Gauguin

Paul Gauguin, a quien no puede calificarse de impresionista, a pesar de que los inicios de su carrera se deban a la influencia de Pissarro. A su época de estancia en Pont-Aven corresponde este retrato, para el que sirvió de modelo, en 1889, la dueña de un hotel de dicha localidad, llamada Ángela Satre. Su composición revela ya un interés simbolista que Gauguin no habría de abandonar hasta su muerte. El retrato ha sido incluido en un muro oval, como si hubiese sido copiado de otra pintura o de un espejo, situándolo en posición excéntrica; ello permite representar un ídolo de aspecto oriental, sobre una estantería, al que sirve de fondo un muro revestido con papel azul decorado con flores y hojas. En la ejecución del lienzo cabe reconocer una interpretación personal de la técnica de Pissarro.

Arearea – Paul Gauguin

Paul Gauguin

Al primer viaje a Tahití corresponde esta obra, lienzo realizado en 1892 que muestra la inicial preocupación de Paul Gauguin por recoger las ceremonias que componen la trama de la vida insular. En el primer término aparecen un perro y dos figuras femeninas, una de ellas en actitud de tañer una flauta; al fondo, tres personajes veneran un ídolo monumental. La inserción de las figuras en el paisaje, compuesto por planos de diversas tintas planas, produce un efecto decorativo que tiene afinidades en las artes populares. Los propósitos perseguidos por el artista fueron explicados así: “Obtengo de la disposición de líneas y colores sinfonías y armonías que no representan nada real, en el sentido vulgar de la palabra, que no expresan directamente idea alguna, pero que deben hacer pensar al igual que hace pensar la música, sin apoyo de ideas o imágenes, simplemente por las afinidades misteriosas que existen entre nuestros cerebros y dichas disposiciones de colores y líneas.”

Mujeres de Tahití-Tahitian Women - Paul Gauguín

Paul Gauguín
Lienzo que significa el primer contacto del pintor con un mundo que ha de cautivarle por su sencillez y autenticidad. En este medio cobra madures y estilo definitivo su pintura. Gauguin ha encuadrado de forma muy estricta las dos figuras sentadas sobre la playa, de modo que sus formas llenan por completo el lienzo subrayando la noción de que constituyen tan solo un fragmento de la realidad. La franja de arena y el verde trazo de mar, con su calidad de superficies planas, establecen el contrapunto de las líneas curvas utilizadas en la construcción de las figuras.